SÁBADO CINE

El Gato con Botas

2012-03-03T23:01:00.001Z

Spin off de Shrek...

Rango

2012-03-03T23:00:00.000Z

Ganadora del Oscar a la mejor película de animación...

Happy Feet 2

2012-03-03T22:59:00.000Z

Una pena que nadie espere mucho de segundas partes...

Una Terapia Peligrosa

2011-12-31T17:24:00.001Z

Una Terapia Peligrosa es un interesante relato del momento histórico en que de la especialidad médica de salud mental se desgajaron unas tendencias que abandonaron el método científico para sustituirlo por fijaciones obsesivas (Freud) y esoterismo pseudocientífico (Jung), bases de la actual práctica de la Psicología.

El contexto del relato retrata fielmente el ambiente enfermizo en que se desenvuelve la trama, en la que queda borrada la línea que separa al terapeuta del paciente, llegándose a la surrealista situación de que la esposa de Jung pide a la que fue paciente de éste y después psicóloga, que trate a su marido, del que además había sido amante.

El ambiente opresivo de las mentes enfermas que acaban siento terapeutas de otras y viceversa, aderezado con unas relaciones sexuales patológicas alimentadas por Freud para después interpretarlas como relaciones sexuales patológicas, parece propicio para que el espectador se ponga en guardia ante la posibilidad de que su psicólogo en realidad sea un enfermo mental.

Sin embargo, la paradoja se despeja de manera satisfactoria al demostrarse que al fin y al cabo es la propia experiencia personal de haber sufrido en propia carne problemas mentales lo que hizo que los tres personajes de la película fueran considerados como buenos psicólogos y terapeutas después de llegar a la cordura, y no sus especulaciones y enfoques acientíficos de la psicología que además se contradicen entre sí, como cabe colegir de las palabras del personaje de Jung en el diálogo final de la película.

Moraleja: si alguna vez usted encuentra la aguja en el pajar de un psicólogo que sabe ayudarle, su capacidad de hacerlo radicará sobre todo en su habilidad para ponerse en el lugar de usted, y no en lo que estudió en la carrera de Psicología. Esta función ha sido desempeñada durante muchos siglos por madres, amigos y sacerdotes con al menos el mismo éxito, y sin necesidad de enrevesadas teorías sobre la psique humana que incluso son capaces de hacer enfermar mentalmente a los que las desarrollan o estudian…

In Time

2011-12-17T22:46:00.000Z

Andrew Niccol no es un guionista y director muy prolífico, pero cada vez que se pone a escribir borda su tratamiento del tema elegido. Sólo seis son sus guiones, y todos ellos -- Gattaca, El Show de Truman, S1m0ne, La Terminal, El Señor de la Guerra y, ahora, In Time -- son magníficas películas que tienen, no demasiado ocultos, diferentes planos de lectura más allá del de el relato en sí.

De este modo, sería una pena que la lectura de In Time se quedara en verla superficialmente como una versión moderna de Robin Hood con la anécdota de que la moneda de cambio sea el tiempo en lugar del dinero.

La equivalencia entre el tiempo y el dinero es mucho más que una anécdota, es donde radica la lectura más interesante de esta película, en la que innumerables frases y diálogos refuerzan la sensación de que en nuestras vidas esa equivalencia es radicalmente cierta y total. Merece la pena ponerse a reflexionar y descubrir que a fin de cuentas nos desvivimos, dejamos de dormir, malgastamos nuestras vidas para ganar dinero para con él comprar tiempo: tiempo de relax, de vacaciones, de jubilación... para recuperarnos del esfuerzo realizado. Todo un contrasentido que In Time pone de relieve.

In Time no colmará las expectativas de quienes quieran ver un alegato contra el capitalismo o una película de ciencia ficción en torno a la programación genética. Es más bien una historia para pensar sobre nuestras vidas. No en vano no está localizada en el futuro, sino en un presente diferente, como alegoría del presente real, que, pensándolo bien no es tan diferente del que vemos en In Time, a pesar del mundo tan distinto que nos describe.

Como único "pero", el final del pesonaje de Raymond Leon, guardián del tiempo, cuya muerte parece truncar un interesante desarrollo en su actitud frente a la realidad y su propio oficio.

Arthur Christmas

2011-12-17T22:45:00.002Z

Las nuevas tecnologías llegan al polo norte y nos brindan esta imaginativa y amena película propicia para las fechas navideñas.

Con mucho humor y unos personajes bien caracterizados Arthur Christmas constituye una interesante manera de explicar la recurrente pregunta de los niños de cómo puede Papá Noel repartir tantos regalos en una sola noche...

Nos presenta además una entretenida historia de choque generacional en la que finalmente todos los personajes tienen un lado amable con el que contribuyen a una resolución feliz del conflicto.

Cabe destacar los divertidos guiños a aspectos muy concretos de las nuevas tecnologías del momento actual, lo cual puede ser el único óbice para que Arthur Christmas se convierta en un clásico de las Navidades.

Las Aventuras de Tintín: el Secreto del Unicornio

2011-12-17T20:22:00.001Z

A priori podría parecer innecesario el esfuerzo de convertir en imágenes de animación a personajes encarnados por personas de carne y hueso, y eso es lo que yo pensaba antes de entrar a ver esta superproducción de Spielberg y Jackson. Pero una vez sentado en la butaca no he tardado en apreciar que habría sido imposible mostrar a actores reales en situaciones tan propias del cómic como imposibles de filmar.

Así pues, esta técnica se ha revelado como una herramienta valiosísima para trasladar a la gran pantalla la sensación de estar viendo un cómic.

El resultado es indudablemente excelente, como no podía ser de otro modo de la mano de dos grandes del cine como éstos. Repleta de acción, de aventura y del humor propio de la versión en papel de las aventuras de Tintín, esta película no defrauda, sino que deja con ganas de que esta aventura cinematográfica de adaptar al cine esta serie de cómics, con el aliciente de que queda por aparecer el profesor Tornasol...

Kika Superbruja: El Viaje a Mandolán

2011-12-17T20:09:00.000Z

Lo de Kika Superbruja no deja de ser un fenómeno sorprendente: tras pasar totalmente desapercibida la primera entrega, el posterior éxito de los libros ha conseguido que esta segunda película tenga una aceptable acogida en los cines de España.

Tanto ésta como la primera son películas alemanas, muy entretenidas y centradas en el público infantil al que se dirigen, a diferencia de tantas otras películas supuestamente infantiles que para agradar a los padres, tíos, abuelos, etc... incluyen golpes de humor pensados para adultos. Mientras esta estrategia de marketing es perfectamente comprensible y ha dado lugar a un género llamado "familiar" más que "infantil", es igualmente cierto que se empezaban a echar de menos producciones puramente infantiles en las que los más pequeños pueden entender absolutamente todo lo que se relata y, probablemente, salir del cine con la misma sensación que salimos nosotros cuando hemos visto una película que nos satisface.

Con todo esto, puede afirmarse que Kika Superbruja 2 cumple con creces sus objetivos y pone al cine alemán en nuestras pantallas con una nota más que aceptable.

The Help (Criadas y Señoras)

2011-11-12T21:44:00.001Z

Viendo Criadas y Señoras a uno ledan ganas de pertenecer a la comunidad negra. La realidad de la discriminaciónracial en años no tan lejanos como los 50 y 60 del siglo XX ha sido abordadamuchas veces en el cine pero pocas veces de manera tan sublime y bella como enesta película.

Todos recordamos películas comoArde Missisipi, Malcolm X o American History X, y tantas otras, todas ellas conel común denominador de un odio volcado en violencia física y verbal, hastaextremos a veces perturbadores. La realidad que tratan de reflejarindudablemente era violenta, pero una película como The Help es capaz deretratarla sin recurrir a su representación explícita, sino centrándose en elodio que la genera, al tiempo que nos presenta como contrapunto el coraje y elvalor de quienes le plantaron cara.

The Help es la visión femenina deaquella lacra y quizás por ello puede reflejarla describiendo más bien lasemociones y conseguir con mayor intensidad lo que todas las demás historias delodio racial quisieron transmitir: la indignación del espectador es tanto másprofunda cuanto las escenas descritas son más cercanas que escenas de violenciaextrema que, aunque indignantes, alejan a un espectador que simplemente no estáacostumbrado a presenciarlas y por tanto sólo las asocia a la ficción, aunquele digan que están basadas en hechos reales. Las vidas y los problemas de lasprotagonistas de The Help giran en torno a cuestiones tan cercanas como en usodel inodoro, la cocina, el trabajo doméstico, las reuniones sociales, etc…Conseguir expresar cinematográficamente el odio que las impregnaba en larealidad que relata la película es todo un reto, superado con la máxima nota,lo cual sin duda debería quedar reflejado en la próxima edición de los Oscar,con estatuillas para los guionistas y el director y para todo el elenco deactrices no tan conocidas, pero que bordan sus papeles de manera impresionante.

Una vez más los traductores detítulos en España han demostrado no tener ni idea de lo que hacen, osimplemente no haberse molestado en ver la película. “The Help” tiene una multitudde significados en la película y es sin duda un título cuidadosamente elegidoen inglés. “Criadas y Señoras” es el título que le pondría cualquier niño consólo ver el cartel de la película.

Johnny English

2011-10-15T23:23:00.002+01:00

Decir Johnny English es decirRowan Atkinson. Al igual que la primera entrega, el regreso de este peculiaragente secreto inglés deleitará a los fans de las muecas y gestos de esteactor, conocido por hacer lo mismo a lo largo de la serie y películas de Mr.Bean.

A diferencia de la anterior, estaentrega nos transmite que las desventuras no se deben tanto a la torpeza de English,sino más bien a la mala suerte. No está claro si es un cambio deliberado o undesacierto, pero en realidad poco importará a quien disfrute viendo a RowanAtkinson muy en su papel, nunca mejor dicho. A quienes nunca hizo demasiadagracia, por el contrario, les parecerá más de lo mismo.

Una vez más, y ya se estáconvirtiendo en una pauta, prácticamente todos los gags de la película están enlos trailers. No entiendo mucho esta práctica, ya que aboca a los espectadoresa esperar más de lo que luego reciben. No entiendo cómo profesionales delmarketing pueden pensar que merece la pena quemar todas las escenas queconsideran atractivas para atraer a unos pocos espectadores más, cuando despuésla decepción transmitida por el boca a boca (lo siento pero no voy a cometer lahorterada de decir “boca a oído”) hará que se pierdan muchos más.

Sin Salida (Abducted)

2011-10-15T23:23:00.000+01:00

Sin salida es una oportunidad para que uno de los protgaonistas de la saga Crepúsculo evite ser encasillado por ésta, con un papel distinto en una película diferente.

Curiosamente el resultado es bastante aceptable, una historia de acción con un buen ritmo, buenas actuaciones y un argumento bastante ingenioso en torno al espionaje y al contraespionaje.

Sólo empañan el esfuerzo un par de errores de argumento. Por un lado, el protagonista es buscado intensamente por la CIA que le tiene estrechamente vigilado e intrevenidos todos sus teléfonos y los de sus amigos, y sin embargo consigue llamar a uno de ellos, revelarle sus planes de huida, y nadie se entera. Por otro lado, como parte del intecambio de información que desean los malos de la película, está la entrega de una lista de implicados en una trama, acerca de la cual todos actuan como si entregar la lista implicara la desaparición de los datos, como si a nadie se le ocurriera hacer una copia de seguridad de un archivo informático con información transcendental...

Pero aparte de estos gazapos, esta película mantiene el interés y la tensión con varios giros inesperados que hacen que finalmente el espectador salga plenamente satisfecho de haberla elegido.

La deuda

2011-10-08T23:36:00.003+01:00

Prometía, una nueva cinta de espionaje, nazis y venganza, pero queda claro que no son sólo los ingredientes lo que hace que una receta de buen resultado. Y en esta receta ha faltado algo de acción --una vez más, toda la que había ya la habíamos visto en el engañoso trailer-- y ha sobrado un exceso de introspección, de un fallido análisis de los personajes, de los cuales ninguno acaba de cuajar y ser convicente.

La cinta nos proporciona un rato de entretenimiento, pero dejándonos con la pregunta de dónde quedó todo lo que esperábamos de ella. Al final se vuelven a abordar temas ya manidos de la posguerra sin aportar nada novedoso en su tratamiento, y poco que justifique volver s a hacerlo.

Los Pitufos

2011-10-08T23:36:00.001+01:00

Algo deben de haber hecho bien los creadores de esta adaptación al cine del mundo pequeño y azul de los Pitufos, cuando bien entrado octubre esta película sigue en cartelera, desde principios de verano.

Y es que, efectivamente, han conseguido hilar una entretenida historia sin demasiadas pretensiones, pero con un buen resultado respecto al objetivo principal de cualquier película, que es entretener.

Es difícil decir én qué aspecto destaca esta película, pero lo que está claro que es una prueba patente de que para lograr el éxito quizás sea más eficaz que todos los aspectos de una producción estén bien cuidados, que un reclamo muy llamativo --un actor famoso, los efectos especiales, un director renombrado-- unido al descuido de los demás ingredientes.

A modo de anécdota, resulta curioso cómo en una época en que la imagen por ordenador parece estar tan dominada, aún resulte tan difícil conseguir que los movimientos de las manos de los actores sean creíbles cuando recogen o abrazan a personajes virtuales como son en este cas los Pitufos.

Arrietty

2011-10-01T22:22:00.001+01:00

Casi desapercibida ha pasado por las pantallas de nuestros cines esta película de animación, pura belleza visual, musical y narrativa.

Con un ritmo pausado, que no lento, esta sencilla historia de los diminutos demuestra que no es necesario llenar 90 minutos de incesante acción y ruido estridente para gustar a los niños de hoy, por muy acostumbrados que estén a los juegos en las consolas de diversas denominaciones. Y es que Arietty, tan sencilla, tranquila y sosegada, es capaz de entretener a pequeños y mayores durante el mismo tiempo, simplemente con una historia narrativamente perfectamente relatada, una banda sonora como pocas y una animación de extrema belleza visual, con infinidad de detalles que indudablemente piden un nuevo visionado para descubrir y disfrutar aún más si cabe.

Altamente recomendable, desgraciadamente tendrá que ser para ver en casa, ya que su paso por las salas de cine ha sido ínjustamente efímero.

Cómo deshacerte de tu jefe

2011-09-24T22:12:00.001+01:00

Esta vez no se cumplió lo que tantas veces ocurre con películas anunciadas como comedias: que acaban contando una historia con bastante más mensaje y profundidad que su carácter cómico hace esperar, como en "Dí que Sí" o "Una pareja de tres" y tantas otras.

Esta vez la comedia no es más que eso, una comedia sin más pretensiones que pasar un rato cuando no se tiene nada mejor que hacer. La premisa argumental tenía cierto potencial, pero la película parece haber sido hecha con cierta desidia, o sin mucha ilusión. Algunos golpes de guión son capaces de arrancar alguna carcajada suelta, pero en general la película no consigue mantenerse siempre a este lado de la línea que separa una buena comedia como "Resacón en Las Vegas" de las comedias insulsas y tontas de las que hay suficientes ejemplos.

Salvan la producción excelentes actores secundarios como Kevin Spacey, Jennifer Aniston y Colin Farrell, que deleitan bordando sus papeles, mientras que los supuestos protagonistas no consiguen hacerse con las riendas de la película y dejan al espectador más bien frío.

COWBOYS & ALIENS

2011-09-17T19:49:00.001+01:00

Una idea tan sencilla que parece increíble que no se le hubiera ocurrido a nadie antes: ¿por qué no contemplar una invasión alienígena en el pasado, en lugar del presente o el futuro?

Claro que no basta una idea genial, sino alguien capaz de convertirla en una buena película. Y quién mejor para garantizarlo que Steven Spielberg, a través de su productora Dreamworks, y su insuperable visión para reunir a los mejores profesionales para ello.

Y así, una vez más, saber que Dreamworks está detrás de una película es garantía de que uno no va a salir defraudado del cine, sino con la sensación de haber disfrutado del cine total, un cine en que todos los aspectos están cuidados y realizados por personas que se esfuerzan por bordar su parte del trabajo.

Cabe destacar en esta ocasión la excelente selección de actores: tanto Harrison Ford y Daniel Craig son los intérpretes ideales para sus papeles. O quizás sean papeles escritos con ellos en mente. El primero siendo de nuevo él mismo, con su expresión de pillo inocente, aunque al principio se presente como un verdadero villano y tarde un poco en aparecer su inimitable expresión de granuja amable que le caracteriza desde su papel de Han Solo en Star Wars y sus interpretaciones de Indiana Jones. Y, sobre todo, Daniel Craig, que sabe mantener un ademán de tipo duro desconcertado por no saber qué le está ocurriendo. Junto a él vamos descubriendo a lo largo de la película quién es él y cuál es su papel en la batalla entre los humanos y los extraterrestres.

Además, tras varios intentos en el cine de recuperar la esencia del Western, parece que ha sido necesaria la irrupción en escena de los alienígenas para conseguirlo. En Cowboys & Aliens tenemos todos los ingredientes del más puro cine del oeste: indios, colonos, ganaderos y vaqueros, el ferrocarril, el saloon con el pianista, las peleas dentro de éste y los duelos en la calle, la búsqueda de oro, el sheriff y el villano irreductible al que se busca vivo o muerto con recompensa, el reverendo, la diligencia... sólo faltó el séptimo de caballería para completar el elenco.

Quizás nos espere ahora un brote de intentos de imaginar invasiones alienígenas en diferentes épocas de nuestra historia. Si sus resultados están a la altura de Cowboys y Aliens, nos depararán una buena oferta de excelente cine.

Phineas y Ferb - La película

2011-09-17T00:00:00.000+01:00

Termina el verano... con el esperadoepisodio cinematográfico de la excelente serie de animación Phineas y Ferb. Demanera muy inteligente sus creadores han evitado caer en la solución fácil dehacer un episodio más, inflado en duración y efectos especiales, y, por elcontrario, nos deleitan con un argumento único e irrepetible en la serie,además de aprovechar para hacer referencia a muchos de los episodiostelevisivos a través de los inventos que sus protagonistas habían creado enellos y que ahora forman parte de la resolución de la trama.

No sin algunos golpes de humordirigidos a los adultos, esta película será el contrapunto perfecto paraquienes quieran hacerse más llevadera la transición de las vacaciones a larutina escolar, tanto hijos como padres.

Conan el Bárbaro

2011-08-27T16:26:00.001+01:00

Gruñidos, músculos, luchassangrientas y algunas tetas es todo lo que tiene que ofrecer esta versión deConan el Bárbaro que quizás por ello puede considerarse fiel al comic en el quese inspira. Por ello gustará probablemente sólo a los incondicionales delpropio comic y a quienes les son suficientes los ingredientes arriba mencionados,junto a un menú gigante de palomitas para darse por satisfechos en una veladade cine.

Merece la pena quedarse a ver loscréditos de la película para ver que aunque la película se considereestadounidense, prácticamente todos los que han participado en su creación sonbúlgaros. Un experimento de coproducción que habrá pasado por las salas de cinesin pena ni gloria.

Super 8

2011-08-27T16:25:00.000+01:00

Comentando Medianoche en Parísdecía que Woody Allen había encontrado a su reemplazo ideal en su faceta deactor. Con Super 8 podemos ver que ahora a Spielberg le ha sucedido lo mismo,con J.J. Abrams dirigiendo una película que podría considerarse una versiónmoderna de ET con muchos paralelismos con ella, en cuanto a argumento,personajes, época y, sobre todo, dirección. Bajo la supervisión del propioSpielberg como productor, quienes vimos ET regresamos a aquellas sensacionescomo si de un salto en el tiempo se tratara.

Sin embargo, no se trata de unintento de remake o de homenaje, sino de una película totalmente nueva,perfectamente dirigida y capaz de mantener el interés y el misterio a lo largode su metraje, que como en todas las obras maestras, se queda corto para elespectador, ávido de más.

Super 8 es sin duda la películadestacada del verano, muy por delante de cualquiera de las demás produccionesmás bien mediocres que nos han ofrecido.

Capitán América

2011-08-27T16:24:00.002+01:00

Parece razonable que la Disney haya adquirido la Marvel dado que han encontrado en el comic un filón para sacar películas como churros. Probablemente sea más barato comprarla que pagarle licencia tras licencia para cada película. Pero en algún momento el filón se agotará, y creo que ya tenemos sobradas señales de que ha comenzado el declive. Al fin y al cabo las historias de superhéroes acaban siendo todas muy parecidas y lo que cambia es el disfraz del individuo y su especialidad en cuanto a los superpoderes.

Así pues, Capitán América es ya simplemente "otra de superhéroes" que sólo dejará agusto a los incondicionales de los comics y sus adaptaciones cinematográficas. Ya no hay espacio (o ingenio) para innovar en cuanto a darle un especial cariz de comic a la película, lo cual sólo lo lograron unos pocos a mi entender, como el Hulk de Ang Lee o Sin City. Esta última es prácticamente insuperable en este sentido, y algo tendrá que ver que la dirigió, con ayuda de Quentin Tarantino, el propio autor de los comics. Adaptar para la gran pantalla uno tras otro a los héroes del cómic sólo tendría sentido si con ello se hubiera creado un nuevo género de "cómic cinematográfico", del cual los dos ejemplos citados serían un buen inicio. Pero la churrería de superhéroes ha decidido ir por otros derroteros y conformarse con películas fáciles y sin complicación que acabarán por matar a la gallina de los huevos de oro.

El origen del planeta de los simios

2011-08-27T16:23:00.001+01:00

A esta película uno acude con ganas de comprender cómo ocurrieron los acontecimietos que llevaron a la primacía de los simios en la Tierra, tal como se vio en el ya clásico "El planeta de los Simios" protagonizado por Charlto Heston. En este sentido, efectivamente, el espectador ve colmadas sus expectativas, aunque la sensación final es la de haber visto un episodio de una serie de TV más que una superproducción cinematográfica. Es una sensación ya recurrente y que necesito ponderar un poco más para explicármela, pero es eevidente que hay películas que, probablemente debido a la estructura del argumento, carecen del empaque propio de un largometraje. Animo a que comenten esta cuestión con ejemplos, si es que comparten esta sensación.

Disfrutarán de ella sobre todo los incondicionales de la saga simia, si es que aún les quedan ganas de intentar sacar algo en claro del complicado berenjenal en que se han metido los gestores de la franquicia al permitir que Tim Burton rodara su versión de la historia con un argumento incompatible con el original, y ahora aprobaran esta versión de la conquista de la Tierra por parte de los simios que por un lado engarza perfectamente con la película original, pero no con sus secuelas de los años 70, en las cuales se explicaba lo mismo de manera menos creible que en el actual "reboot", que es el término que han acuñado para justificar estas incongruencias argumentales en franquicias que no controla nadie en cuanto a coherencia, como ya ocurriera con Batman.

Lo dicho, interesante para los fans del mundo del planeta de los simios, también para quienes nos fijamos en cómo se representa la ciencia en el cine, pero prescindible para el resto de los mortales...

Sobre el precio del cine en Tenerife

2011-08-27T16:11:00.003+01:00

Siguen a partir de aquí una serie de comentarios de películas que he ido a ver en cines de Guipúzcoa, y antes de entrar en materia he de expresar mi estupor e indignación (a pesar de lo manido de la palabrita) al descubrir que en la provincia más cara de España, meca del cine en España con el único festival de cine de ctaegoría A del país celebrándose anualmente en San Sebastián, resulta que ir al cine es sustancialmente más barato que en Tenerife. La entrada "cara" en Guipúzcoa equivale a la opción más barata de Tenerife (día del espectador, descuentos...), y se puede ir a ver una película de estreno por 5 euros. Lo mismo ocurre con los productos "colaterales" como las palomitas. En Tenerife poco se puede llevar uno a la boca por menos de 5 euros. Aquí puedes adquirir un ración de palomitas grande por 2,90 euros!

¿Realmente es admisible este atropello constante? No pretendrán hacernos creer que hoy en día la distancia de Canarias de la península tiene algo que ver, ese cuento ya no se lo traga nadie. Además, en Tenerife en todo caso debería ser más barato todo, aunque sólo fuera porque el IGIC es mucho menor que el IVA...

Cars 2

2011-08-27T16:07:00.000+01:00

Muy distinta a la primera entrega, Cars 2 vuelve a sorprender y a entretener con un argumento más sofisticado y más centrado en el personaje de Tow Mater, que es quien dota a la película de los elementos tanto cómicos como dramáticos y es el verdadero eje de la historia.

Con varios guiños e incluso la participación de personajes reales de las carreras de coche, la película está diseñada para que también la disfruten los acompañantes de los más pequeños, como ocurre en tantas otras películas que más que infantiles habría que calificar de “familiares”.

Harry Potter VII - segunda parte (es que no me acuerdo del título largo)

2011-08-27T16:02:00.001+01:00

La octava entrega de Harry Potter ha conseguido lo que ninguna de las anteriores: que no me durmiera en algún momento de la película. Creo que en gran parte se debe a que en ella ha quedado confirmado lo que desde la primera entrega intuía: que Severus Snape es un personaje cuando menos interesante. Realmente ha resultado ser el mayor héroe de cuantas historias se han contado en la gran pantalla, probablemente más aún que Darth Vader, con quien tiene más de un paralelismo.

Evidentemente, esta octava película de Harry Potter sólo tiene interés y sentido para quien ha seguido la saga, cerrándola de manera espectacular y sorprendente. Cabe pensar que uno de los mayores logros de la franquicia ha sido mantener el interés y la calidad a lo largo de ocho entregas a manos de diferentes directores, para un público que ha crecido a la par que los personajes y los actores a lo largo de todo este tiempo.

RIO

2011-08-27T15:55:00.002+01:00

Sin llamar sobre sí demasiada atención y quizás sin ni siquiera pretenderlo, Rio ha resultado ser toda una obra maestra del cine de animación de los últimos tiempos.

Cuenta con una historia muy original, unos personajes muy bien caracterizados, un guión muy cuidado de principio a fin y un buen ritmo argumental. Todo ello deja al final con ganas de más y un buen sabor de boca, como pocas veces sucede ya en el cine.

Impresiona la expresividad facial que los animadores han sido capaces de dar al protagonista Blu sin caer en la tentación de antropomorfizarlo, teniendo en cuenta lo poco susceptible que parece ser para ello la cabeza de un loro. Sorprende al mismo tiempo que no lograran lo mismo con la hembra de loro llamada Perla, en lo que sería el único pero que le encuentro a la película.

Además uno se lleva de esta película una buena impresión de la ciudad de Rio de Janeiro, no sería de extrañar que hubiera participado alguna autoridad de turismo de la misma, ya que queda en la memoria tras la película asociada a todo un despliegue de color, ritmo y alegría y a la innegable belleza de la naturaleza que le rodea.

Como he visto la película en una de los últimos pases en el cine, esta recomendación sólo servirá para verla en casa. Aun así, Rio no deja de ser una película imprescindible para grandes y pequeños.

Kung Fu Panda 2

2011-07-09T22:54:00.003+01:00

Ya son multitud las películas que incumplen aquello de que “nunca segundas partes fueron buenas”, y Kung Fu Panda 2 es una más.

Llena de acción y con un ritmo ágil, esta película deleita a niños y grandes, con elementos de humor dirigidos a ambos, proporcionando una buena elección para pasar la tarde y salir satisfecho del cine.

Cabe destacar que ha sido dirigida por una mujer, Jennifer Yuh, lo cual desgraciadamente sigue siendo algo destacable. Lo ha hecho magníficamente en su primer largometraje, habiendo llegado a la dirección de esta entrega de Kung Fu Panda tras haber sido jefa de los guionistas y supervisora de las escenas de acción y artes marciales de la primera película.

Otra curiosidad, irrelevante para quienes la disfrutarán en español, es el elenco de actores que han prestado sus voces a los personajes, incluyendo un pequeño papel para Jean-Claude Van Damme y la función de asesor creativo de Guillermo del Toro, que es además uno de los productores ejecutivos de la película. Me pregunto qué se cuece por Hollywood para que éstos profesionales acaben desempeñando estas curiosas funciones en películas como ésta…

ALGO PRESTADO

2011-07-02T22:17:00.004+01:00

Algo Prestado es otra película que acaba siendo víctima de quienes se encargan de su promoción y la encasillan como comedia romántica, cuando en realidad es mucho más.

A lo largo de la película se explora lo enrevesadas que pueden acabar siendo las relaciones personales a partir de una mala decisión y la negativa a reconocer que lo fue. Tras una concatenación de huidas hacia adelante en las vidas de los protagonistas, el enredo llega a ser de tal alcance que esta “comedia romántica” llega a convertirse en una historia de intriga en la que ni siquiera se pude intuir el modo en que los protagonistas saldrán de la situación en que se han metido. Final inesperado, pues, no tanto porque lo que acaba ocurriendo no sea una opción plausible, sino porque el director es capaz de llevar la película con gran equilibrio y maestría lejos de la típica sensación de estar seguro cuál va a ser el final.

Kate Hudson consigue clavar su papel de tal manera que, tal como se pretende, el espectador acaba cogiéndole una intensa manía. Destaca, sin embargo, la soltura y naturalidad con que John Krasinski se hace querer en su papel del amigo fiel que siempre está ahí cuando se le necesita y dice las cosas que necesitan ser oídas.

Medianoche en París

2011-06-18T23:09:00.008+01:00

Fui a ver Medianoche en París pensando ya de antemano que comenzaría este comentario mencionando mis bajas expectativas para otra película de Woody Allen, que ya llevaba varias producciones demostrando que “no es el que era”.

Iba preparado para o bien confirmar esa tendencia o, como mucho, afirmar que a pesar de las bajas expectativas –o precisamente debido a ellas, como ocurre tan frecuentemente— salí satisfecho.

Para lo que no estaba preparado era para certificar que Woody Allen ha vuelto… sin Woody Allen. Me explicaré: un ingrediente fundamental de las películas de Woody Allen que a todos nos aficionaron a su cine era él mismo, como actor, en uno de esos personajes que él escribía pensando en sí mismo y que interpretaba de modo tan característico, entre patoso e ingenioso, medio despistado y medio genial.

En Medianoche en París aparece de nuevo el típico personaje “woodyalleniano”, con la sorpresa de que es interpretado no por él, sino por quien espero sea su nuevo “alter ego” por muchas películas. Un magnífico, inesperado, genial e inigualable Owen Wilson, quien ya nos sorprendió en “¿Cómo sabes si…?” y que ahora demuestra que aquel papel no fue una excepción respecto a su encasillamiento como actor de papeles en comedias absurdas, sino más bien el primer paso en una dirección acertada en su carrera, que, como decía, espero que le lleve a hacer de Woody Allen en más ocasiones.

También lo debió de ver así el doblador habitual de Owen Wilson, Luis Posada, que le puso una voz y un modo de hablar tan parecido al que habitualmente le pone Joan Pera al propio Woody Allen que hasta comprobarlo en sus fichas de http://www.eldoblaje.com/ estaba más que convencido de que había sido éste último quien se hizo cargo del doblaje. Eso sí que es un trabajo bien hecho, que demuestra una vez más lo profesionales que son nuestros dobladores y lo bien que estudian a sus personajes. Soy muy aficionado a ver las películas en versión original, pero el doblaje en España es de una calidad tal que merece ser apoyado y mantenido como un valor en sí mismo.

Por lo demás la película es sencillamente genial, sorprendente y con una clara moraleja abordada con humor e ingenio, cómo no podía ser de otro modo. No quiero desvelar nada más sobre el contenido porque en ésta más que nunca, es importante ir sin saber nada, o lo menos posible, de la trama.

No puedo, sin embargo, omitir mencionar la breve pero antológica interpretación de Adrien Brody como Salvador Dalí. Tanto éste como los demás personajes, numerosos ellos, están extremadamente estudiados para que con unas breves pinceladas surrealistas queden magníficamente retratados.

Y hasta aquí puedo leer…

Piratas del Caribe - En Mareas Misteriosas

2011-06-11T23:04:00.001+01:00

En cosas de cine, el público (y Jerry Bruckheimer) siempre tiene razón. Esto es así por definición: quien hace cine lo hace para atraer al público. Y por eso, a pesar de opiniones “eruditas” de críticos y otros supuestos expertos, la cuarta entrega de Piratas del Caribe está haciendo taquilla.

Es verdad que es distinta a las anteriores. ¿Qué querían, un calco? Sin embargo no desdice de la acción y de la aventura que uno espera de ella. Toda la película, desde el principio hasta el final, es una alternancia de escenas de acción con otras que relatan la historia que hilvana la aventura en que está metido esta vez Jack Sparrow – perdón el capitán Jack Sparrow.

Los diálogos vuelven a ser mordaces, y la genialidad de los comentarios de Sparrow no dejan de arrancar la sonrisa del espectador, en ocasiones incluso alguna carcajada.

Se ha criticado mucho a Penélope Cruz, alegando que no hay química entre ella y Johnny Depp. Me pregunto si quien dice esto realmente ha visto la película o se basa sólo en los trailers. Naturalmente que no hay química entre ellos: sus personajes no mantienen precisamente una relación romántica, ni si quiera amistosa. Sin embargo, Penélope Cruz, de la que no soy especialmente aficionado, interpreta estupendamente su papel, contribuyendo a un elenco de personajes bien logrados y a una historia magníficamente relatada por Bob Marshall.

La música de Hans Zimmer es también un personaje más en la película, y un personaje de peso. Es imposible ya imaginar esta saga sin el famoso tema musical que la acompaña en todo momento, magistralmente variado y ampliado por su autor, de modo que, sin cansar, está presente a lo largo de toda la cinta dándole ese toque de aventura épica que la caracteriza. Vaticino que la música de Piratas del Caribe va a pasar a los anales de las bandas sonoras alcanzando a legendarias melodías como la de Star Wars.

Una nota sobre el 3D. Hoy he vuelto a darle una oportunidad, para reafirmarme que bajo ningún punto de vista merece la pena el desembolso adicional para ver una película en 3D. Aparte de dos o tres efectos que seguramente se introducen para justificar la producción con esta tecnología, la sensación de profundidad no añade apenas nada sobre la perspectiva que nuestro cerebro interpreta de todos modos al ver una película en 2D.

The Lincoln Lawyer (El Inocente)

2011-06-04T21:25:00.003+01:00

El Inocente da una vuelta de tuerca más al género de las películas de juicios y abogados. En esta, pronto se disipa la duda de si el “inocente” lo es o no: la intriga se centra en ver cómo el abogado consigue hacer justicia cuando el único modo de hacerlo es romper el secreto profesional y traicionar la confidencialidad entre el abogado y su cliente…

La resolución es inteligente y el resultado es una película redonda que dejará al espectador agusto, satisfecho de haber elegido esta película de Hollywood frente a la imposición legislativa que coarta la libertad de los cines a proyectar las películas que quieran y la de los espectadores, limitando las opciones a su disposición con la obligatoriedad de tener en cartel un número determinado de películas españolas, incapaces de competir por sí solas con su calidad o, mejor dicho, falta de ella.

AGUA PARA ELEFANTES

2011-05-21T22:53:00.002+01:00

Agua para Elefantes no es lo que parece: no es una película sobre el circo. Es una bellísima historia de amor que ocurre en un circo, pero la película no entra a aburrir describiendo la vida del circo, un error en que tantas otras han caído y que han hecho que, de entrada, el público sienta cierto rechazo a relatos con el circo como trasfondo. Y eso que la novela en la que se basa parece que sí lo hace.

La historia se hace especialmente creíble porque el malo, un magnífico Christoph Waltz, muchas veces tiene razón, y la trama incluso parece que va a redimirle, aunque lo que vence al mal es una vez más, la fuerza del amor.

UNKNOWN (SIN IDENTIDAD)

2011-05-14T20:18:00.002+01:00

Sin identidad es sin duda una película sorprendente que recupera algunos elementos de las historias de espías, sin recurrir a los tópicos de las mismas. Relata una historia que no está ligada a una época determinada, escrita con maestría en cuanto al ritmo y a la intriga que mantiene hasta el último momento. Todo encaja, todo es explicado, incluso lo que parecía que iba ser una cierta metedura de pata es resuelto con maestría…

El espectador es llevado a interpretar los hechos iniciales, desencadenantes de la trama, de mil maneras distintas, logrando que nadie se imagine ni de lejos la verdad , que no es revelada hasta el último momento. ¿Qué más quiere un espectador de este tipo de películas?

Cabe destacar que es una película magníficamente dirigida por un español, Jaume Collet-Serra. ¿Por qué será que los directores de talento españoles han de irse a Estados Unidos para hacer cine de calidad?

THOR

2011-05-07T20:15:00.005+01:00

No suelo esperar mucho de las adaptaciones al cine de personajes del comic una vez que los productores han empezado a abusar de este filón. Sin embargo, no cabía esperar una decepción si Kenneth Branagh se pone tras la cámara y el resultado de Thor es, efectivamente, una magnífica película que no se ve condicionada por el medio del que proviene su personaje principal.

Thor es, al contrario, una entretenida y hábil conjugación de la mitología escandinava con una visión científico-tecnológica de la realidad propia del mundo actual. Todo ello sin forzar el guión en un sentido o en otro, de modo que se respeta la magia de la primera y un discurso científico coherente, dentro de la premisa ficticia necesariamente fantástica.

Los personajes están aceptablemente bien interpretados, con la excepción del de la astrofísica para el que una Natalie Portman anclada en la actitud atormentada de Cisne Negro ha sido una pésima elección. Casi parece que investigar en astrofísica es una tragedia vital que contrasta con el tono divertido y amable del resto de miembros del equipo. Cabe destacar, sin embargo, la actuación, en el papel de Sif, de Jaimie Alexander, conocida por su papel de Jessi en la serie Kyle XY.

Todo ello está aderezado con una magnífica banda sonora de Patrick Doyle, de la que se interpretarán algunos temas en la próxima 5ª edición del festival Fimucité, y un apabullante despliegue de panoramas celestes de gran belleza que nada tienen que envidiar a los paisajes imaginados de El Señor de los Anillos o Avatar. En Thor se aprecia la importancia de una buena música y una buena escenografía.

Source Code (Código Fuente)

2011-04-23T17:32:00.001+01:00

Código fuente es una magniífica historia, relatada a través de un cuidadísimo guión y unas actuaciones muy logradas.

El guión es redondo de principio a fin, y, cuando parecía que iban a meter la pata, o, dicho de otro modo, recurrrir a una pequeña "trampa" para poder llegar a un final, un magnifico toque de genialidad resuelve la trama sin necesidad de incurrir en una incogruencia, como ha ocurrido en tantas otras películas en las que se juega con viajes en el tiempo, universos paralelos, o mundos virtuales.

Sin embargo, a pesar de todo el contexto tecnológico, lo más destacable de la película es su espíritu optimista -- "todo va a salir bien" es una frase muy repetida por los protagonistas--, su confianza en el ser humano y en el poder del amor para sobreponerse a cualquier obstáculo y toda dificultad, representado en la película a través de su capacidad nada menos de crear una realidad donde ésta no existía.

He intentado escribir este comentario sin estropear la experiencia de ver la película, una experiencia altamente recomendable y totalmente satisfactoria, que nadie se debería perder.

THERE BE DRAGONS (Encontrarás Dragones)

2011-03-26T16:12:00.005Z

No es bueno crear expectativas si se pretende sorprender al público con una película. A Encontrarás Dragones le ha ocurrido lo que a tantas otras: su promoción ha vendido un producto distinto del que luego se obtiene. No digo que la realidad sea peor que lo anunciado, sino que es distinto, y eso irremediablemente conduce a cierta decepción.

En primer lugar, como suele ser habitual, la promoción ha hecho mucho énfasis en entroncar esta película en la línea de La Misión y Los Gritos del Silencio, dirigidas por Roland Joffé…hace 25 años. Entre aquéllas y Encontrarás Dragones han pasado muchos años y varias películas por las manos de este director, que en ninguna de ellas ha llegado a estar a la altura de aquellas míticas producciones. No es sorprendente, por tanto que Encontrarás Dragones, contrariamente a lo anunciado no se parezca a La Misión y Los Gritos del Silencio. Joffé ha evolucionado y por tanto también su cine. No necesariamente a peor, pero sí hacia algo distinto.

En segundo lugar, en cuanto a su contenido, se ha hecho un gran esfuerzo en distanciar las expectativas sobre la película del concepto de “biografía” de Josemaría Escrivá. Esto es comprensible, porque una biografía cinematográfica no atraería más que a cierto público. Por ello el recurso cinematográfico ha sido el de entrelazar algunos aspectos e hitos de la vida de Josemaría Escrivá con una historia ficticia ambientada en la etapa de la guerra civil española, hasta el punto de presentar la película como si el núcleo de su contenido fuera esta historia paralela y, en concreto el concepto del perdón y su poder liberador para el perdonado y el que perdona. Y sin embargo también en esto lo que se encontrará el público es distinto: la historia ficticia de traición, amor y perdón de los personajes del relato paralelo no cobran el protagonismo necesario, ni se les dedica el metraje suficiente para ser el relato principal. Para que el perdón tuviera el impacto que se le atribuye en la promoción, la ofensa, el agravio, el dolor provocado tendría que haber sido más intenso, más dramático, más desgarrador, pero no acaba de aparecer así en toda la película. En realidad, el plato fuerte de la película son los retazos biográficos de Josemaría Escrivá desde su niñez hasta su salida de la España republicana a través de Andorra. Tampoco esto es necesariamente peor de lo que se afirmaba en la promoción de la película, pero, de nuevo, es algo distinto.

Yo habría salido más satisfecho del cine si se me hubiera presentado la película como lo que es, y probablemente me haría detenido mucho más en los innegables aspectos positivos que tiene, como la magnífica y cautivadora actuación de Charlie Cox, que es capaz de transmitir con una fidelidad asombrosa la alegría y el cariño que irradiaba su personaje en la vida real. A lo largo de toda la película nos deleita una y otra vez con una sonrisa sincera y profundamente amable que seguramente será una de sus bazas en su carrera interpretativa. Otro aspecto a destacar es el excelente tratamiento, tanto en el fondo y la forma, de la guerra civil, con una objetividad incontestable –ninguno de los dos bandos combatientes sale bien parado: ambos aparecen como igualmente malos, como no puede ser de otra manera en una guerra fratricida como aquella, en la que todos salieron perdiendo. Las escenas bélicas tienen en su sencillez, precisamente por ella, un gran realismo, sin grandes explosiones ni espectaculares hazañas épicas, sino siendo un fiel reflejo de un enfrentamiento descarnizado que destruyó las vidas de los caídos y de los supervivientes.

The Adjustment Bureau (Destino Oculto)

2011-03-26T00:01:00.001Z

Una película para quien quiera ver algo distinto, poco habitual, en cuanto al argumento. Claro que lo que se encontrará es, efectivamente, algo distinto de lo habitual, a no ser que sea fiel seguidor de las adaptaciones al cine de Phillip K. Dick, casi todas ellas variaciones sobre el mismo tema: el libre albedrío y sus posibles limitaciones. Desde Blade Runner hasta Next, pasando por Desafío Total, Impostor, Minority Report, Una mirada a la oscuridad (A Scanner Darkly) y Paycheck, todas ellas abordan de un modo u otro, distintos ángulos sobre la capacidad del ser humano de controlar su vida.

Sin embargo, quizás deliberadamente, o como resultado de un equivocado intento de explicarlo todo, en Destino Oculto no hay espacio para la interpretación o el debate posterior. Todo se explica y no queda resquicio para la especulación. Al menos no sobre este tema recurrente de la libertad, que en esta película sólo queda como un trasfondo sobre el cual transcurre una historia de superación personal y capacidad de sacrificio en pos de un ideal, encarnado, como no, en el amor de una mujer.

Las actuaciones son bastante planas, con un Matt Damon correcto, pero poco más y una Emily Blunt que tampoco parece haber encontrado el modo de sobresalir en este papel.

El resultado es una película entretenida, con elementos sorprendentes, pero a la que se le ve su limitación en cuanto adaptación de una historia que tenía un gran potencial como fuente de reflexión más allá del celuloide. Las anteriores adaptaciones de historias de Phillip K. Dick al menos lo intentaron, con resultados desiguales, y nunca al nivel de la mítica e inigualable Blade Runner. Por cierto, preparémonos para el primer remake de una de estas películas: se está rodando una nueva versión de Desafío Total.

- ESPECIAL OSCARS 2010 -

2011-02-28T10:17:00.006Z

Reconozco que me equivoqué: en la entrada sobre "El discurso del rey" dije que era una joya que iba a pasar desapercibida. Me alegro mucho de poder rectificar en esto último que se haya premiado el trabajo bien hecho, tanto en ésta como en las demás películas ganadoras. Las principales películas galardonadas han sido comentadas en este blog, ¡no dejes de consultar sus entradas correspondientes!

El Discurso del Rey, La Red Social, Origen y Toy Story 3 son las grandes triunfadoras de la noche, con la compañía de Natalie Portman en su papel en Cisne Negro:

El Discurso del Rey se llevó las estatuillas más anheladas:
MEJOR PELÍCULA, MEJOR ACTOR (Colin Firth), MEJOR GUION, y MEJOR DIRECTOR

Origen, obtuvo los premios más técnicos:
MEJOR FOTOGRAFÍA, MEJORES EFECTOS ESPECIALES, MEJOR EDICIÓN DE SONIDO Y MEJOR MEZCLA DE SONIDO

La Red Social, un poco de todo:
MEJOR GUION ADAPTADO, MEJOR EDICIÓN Y MEJOR BANDA SONORA

y Toy Story 3,
MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN Y MEJOR CANCIÓN ORIGINAL

BLACK SWAN - Cisne Negro

2011-02-26T12:49:00.005Z

Ver Cisne Negro no deja de ser una experiencia cinematográfica interesante, pero hay que estar advertido de que el espectador es sometido a una tortura psicológica de principio a fin. El hecho de que efectivamente las sensaciones que se transmiten son las de un agobio ahogante y una perturbadora angustia probablemente hable bien de su director, Darren Aronofski, si es lo que pretendía. El agobio y la angustia son las que rodean y permean la vida de la triple protagonista de esta historia: el cisne negro; Nina Sayers, que es quien lo interpreta en el ballet; y Natalie Portman, que es quien interpreta a Nina Sayers. Es la triple historia de autodestrucción y enloquecimiento provocadas por la persecución de un sueño que se convierte en pesadilla fatal.

Digo "triple" a conciencia. La "doble" historia es un recurso conocido en el cine: el personaje protagonista reproduce en su vida la del papel que interpreta en una obra dentro de la película, en este caso, el ballet "El Lago de los Cisnes". Lo que es sobrecogedor es que, en mi opinión, a Natalie Portman, la de carne y hueso, le ha pasado lo mismo que a su personaje en la película: en pos de la interpretación de su vida, por la que está siendo tan premiada, ha traicionado -ha autodestruido- a la Natalie Portman que me gusta recordar: la niña delicada, sencilla e inteligente, casi muñeca de porcelana, que seleccionaba papeles acordes con esa personalidad tan especial y poco común, desde "A cualquier otro lugar" hasta "Las hermanas bolena", pasando por la magistral "Closer". Al aceptar un papel con tan alto componente erótico en Cisne Negro, en mi opinión innecesario aunque ella insista en que era necesario para su personaje, ha perdido esa inocencia que le caracterizaba y se ha convertido en una actriz más del montón. Del montón que lucen Óscars y Globos de Oro, pero que no por eso son especiales. Natalie Portman lo era y ha dejado de serlo. Puestos a recordarla, prefiero hacerlo en su papel de Reina Amidala.

EL TURISTA (The Tourist)

2011-02-19T21:46:00.002Z

Atónito y absorto, así es como se queda el personaje de Johnny Depp en El Turista, cuando se le convierte en realidad de manera inesperada el sueño de ser abordado por una sofisticada y bella mujer que sin mayor preámbulo se lo lleva incluso al hotel donde se aloja. A partir de ahí nada es lo que parece, o al menos eso se pretendía en este remake que no quedará en los anales del cine, aunque tampoco es tan malo como lo han puesto los de siempre, ávidos de encontrar un producto de calidad regular en el cine americano, para poner a caldo a toda su producción cinematográfica.

Menos mal que la propia película se mofa de ellos, ya que en varias ocasiones los personajes europeos menosprecian al personaje de Johnny Depp, disculpándole condescendientemente lo que perciben como acciones excéntricas por ser un “americano”, cuando al final él es el más listo de todos. Y hasta aquí puedo leer sin revelar el giro de la trama… aunque es un giro muy predecible, intuido por muchos de los espectadores.

Salva la falta de ritmo de la realización de la película –sorprendente, tratándose de una historia ideal para ser contada de modo trepidante— la actuación del propio Depp, contenido de manera justificada por el (in)esperado final, que los que le han criticado por ello probablemente ni han esperado a ver. Angelina Jolie se rodea de un esplendoroso despliegue de glamour y nos acompaña durante toda la película con dos inmensos ojos que llenan la pantalla.

HOW DO YOU KNOW... (¿Cómo sabes si...?)

2011-02-12T22:06:00.005Z

Aunque parezca mentira, esta es una de las películas más difíciles de comentar de las que han pasado por este blog. Una vez más, ha sido anunciada como comedia romántica en España una película que es mucho más. Tengo la sensación de que la imagen de superficialidad y simplicidad que algunos se empeñan en difundir sobre el cine estadounidense tiene mucho que ver con la falta de sensibilidad y de profundidad de esos algunos, porque últimamente me estoy encontrando muchos casos como éste.

¿Cómo sabes si...? tiene no una sino varias lecturas batante más profundas de lo que cabe esperar a primera vista y, al fin y al cabo, un mensaje vital positivo y útil para quienes la vean.

El mensaje fundamental es el de aceptarse a uno mismo y al prójimo (especialmente a tu pareja) tal como es. Pero para transmitir este mensaje, esta película cuenta una historia llena de giros inesperados, situaciones atípicas pero verosímiles (una declaración de amor usando plastilina que debería pasar a la historia de las declaraciones del cine) y sobre todo, unos personajes que encarnan a la perfección dos tipologías de la personalidad: la simple y directa que no se complica la vida y la de quien le da mil vueltas a todo, se llena de preocupaciones y de indecisiones.

Para dejar claro que ninguna es considerada buena o mala, cada una se encarna en dos variantes, representadas por sendos personajes. Las complicadas son ellas: Lisa (Reese Witherspoon), acostumbrada a pensarlo y repensarlo todo y nunca tomar una decisión clara y disfrutarla, y la de Annie (una magnífica Kathryn Hahn) que se complica más bien pensando en los demás y cómo ayudarles. Los simplones, ellos (¿casualidad?): Matty (Owen Wilson, bordando el papel), el rico y famoso medio novio de Lisa, que sólo vive el aquí y ahora (espectacular escena en que ella le cuenta sus penas y él las resuelve restándoles importancia) y el pretendiente (Paul Rudd) que en su sencillez la acepta como es y simplemente a lo que resta importancia es a sus propios problemas, lo cual le hace aparecer tan amable.

Si en alguna película se hace patente la importancia de la persona que hace el casting es en esta, ya que los actores están magistralmente elegidos para los papeles que desempeñan, incluyendo al inigualable Jack Nicholson.

MORNING GLORY

2011-01-29T22:42:00.003Z

Es una pena que esta película, como tantas otras, se haya promocionado en base a su aspecto menos importante. Se ha vendido como una comedia y, realmente, aun estando presente el humor y de una manera muy bien lograda, es una película excelente por motivos mucho más relevantes.

Hasta cierto punto de inflexión, que no revelaré para no estropear la experiencia, la película da la sensación de ser una buena sátira del mundo de la televisión dirigida a sacar a relucir lo mejor de un Harrison Ford pletórico, cuya actuación, basada en todo un abanico de sus expresiones faciales tan sugerentes, divertidas y elocuentes es ciertamente memorable.

Después entra en una fase en que se desatan todo tipo de sentimientos y emociones, y el espectador está ante una película que parece haber sabido darle un magistral vuelco a lo que pensaba que estaba ocurriendo: parece que a pesar de todo el gruñón personaje de Harrison Ford estaba en lo cierto mientras el ímpetu y el entusiasmo del de una magnífica Rachel McAdams con quien el público ha sido empujado a identificarse estaban orientados en la dirección equivocada, la de la búsqueda del share en TV, en lugar de la calidad.

Finalmente, la película pasa de buenísima a excelente, cuando un vuelco inesperado rompe de nuevo la simplista dicotomía entre lo bueno y lo malo, demostrando que existen matices y motivaciones que la desdibujan. Queda el mensaje, tan necesario aquí y ahora, de que lo importante es el trabajo bien hecho…

TRON Legacy

2011-01-22T22:39:00.001Z

Nunca sentí especial atracción por el concepto de TRON ni por la película de 1982 y de hecho nunca la ví. Sin embargo acudí con grandes expectativas a ver TRON Legacy y resulta que he salido más que satisfecho. TRON Legacy es la evolución natural de una serie de películas que no se quedan en lo efectista, sino que, aun con grandes efectos y despliegue de medios de producción son capaces de ir más allá y abordar temas de calado relacionados con el lugar que ocupa el ser humano en un mundo en que la tecnología y la inteligencia artificial parecen desdibujar la frontera de lo que es humano y lo que no. Estoy pensando principalmente en Blade Runner y Matrix. Como lo hicieran estas dos creaciones cinematográficas en su momento, TRON Legacy toca cuestiones que dan tanto de sí como la de qué es lo que nos hace humanos, la búsqueda de la perfección, el papel de los sentimientos en el debate de la inteligencia artificial. En esta ocasión la vuelta de tuerca está en la posibilidad no ya de que programas informáticos y la proyección mental de los seres humanos convivan en un mundo virtual, como en Matrix, sino que se apunta a la posibilidad de que los seres humanos entren en carne y hueso en un mundo virtual y, lo que es más alarmante, que haya programas que surjan sin que nadie los haya escrito, con vida propia y que cualquier programa pueda hacer el camino inverso y acabe entrando en el mundo real como un ser humano más.

Al igual que aquellas, TRON Legacy es de las pocas películas que sí me gustaría volver a ver más de una vez. Evidentemente no estoy afirmando que el guión aborde esos temas de calado con la profundidad y la extensión de un documental o un tratado de filosofía, pero las preguntas están ahí, y quien quiera ver algo más que los espeluznantes mundos virtuales de precioso diseño o la magnífica banda sonora, tiene desde luego dónde elegir.

Lástima que he ido a verla cuando ya está saliendo de los cines, puesto que mi recomendación es que no hay que perdérsela.

El discurso del rey

2011-01-08T23:15:00.001Z

Esta película desgraciadamente pasará bastante desapercibida si los Oscar no lo remedian el mes que viene. Y es que es una joya que no brilla demasiado, pero una joya después de todo. Si no brilla es porque en un mercado lleno de 3D, efectos especiales y grandes presupuestos, El discurso del rey trae a relucir lo mejor de la excelente tradición interpretativa británica de la mano de un magnífico reparto con Colin Firth, Geoffrey Rush y Helena Bonham-Carter. Con una premisa curiosa (la tartamudez de quien iba a ser el rey Jorge VI de Inglaterra, padre de la actual reina de Inglaterra, la cual aparece en la película como una niña) y un cuidadísimo guion que incluye unos diálogos antológicos entre el duque de York y su terapeuta del habla, la pelicula no tiene desperdicio y lleva al espectador a acontecimientos históricos que algunos recordarán y que a muchos al menos les sonarán, relacionados con la familia real británica y la segunda guerra mundial.

Dado que la película trata del habla, me quedé con las ganas de haberla visto en inglés, pero por otra parte me he alegrado de poder constatar una vez más los magníficos dobladores que tenemos en España a través del bordado doblaje que de Colin Firth hace Jordi Brau, cuya voz asociamos quizás más bien a Tom Cruise, Tom Hanks o Robin Williams.

SKYLINE

2010-12-04T22:31:00.003Z

Receta SKYLINE
Ingredientes (a partes iguales):
La Guerra de los Mundos
La Invasión de los Ultracuerpos
Hulk
Star Wars
Expediente X
Relic
Starship Troopers
Independence Day
Alien
Montruoso
Godzilla (o, si no se encuentra, King Kong)
Pésimas actuaciones nada creíbles.
Un guión sin ningún argumento.

Ladrones (Takers)

2010-11-27T18:35:00.007Z

En realidad me alegro de haber ido a ver Ladrones. Porque ya tenía ejemplos de cómo una película puede ser estropeada por uno de sus principales elementos. Todos conocemos malos guiones, por supuesto. Luego están las películas con malas actuaciones, o con actores mal seleccionados para un determinado papel. Incluso están las que la banda sonora hace insoportables. Y ahora tenemos Ladrones: un guión muy interesante, actores a la altura, una música razonablemente buena, y una deplorable dirección de fotografía que hace que todo lo demás quede en un segundo plano, si es que no tienes que salir a vomitar, en cuyo caso sencillamente desaparece de tu campo visual.

El movimiento de la cámara al estilo “dogma” (que comparado con esto es prácticamente imagen fija) se ha llevado a extremos excesivos, sin duda con el afán de innovar y de sacarle el mayor partido posible. Pero los excesos se pagan y en Ladrones, que el director haya permitido a su director de fotografía rodar de este modo hace que la película sea de las que uno desea olvidar hasta que hagan un remake con alguien con mejor pulso. Bueno, como digo, no es cuestión de pulso, es que parece que el cámara lleva la cámara no ya en la mano sin dispositivo de “steadycam”, sino directamente colgando del cuello mientras corre junto a los protagonistas de la acción, es atropellado igual que ellos o realiza saltos espectaculares al mismo tiempo. Estuve tentado por fijarme si en los títulos de crédito aparecían dobles especialistas no ya para los actores, sino también para los cámaras. Pero no pude porque me sentía tan mareado que lo que quería era tomar aire fresco.

Como alternativa a las escenas de acción, en los momentos menos “movidos” por parte del guión, el cámara se encarga igualmente de mantenernos en movimiento, para que no decaiga el mareo. El truco: tomas no ya de primer plano sino tan cerca que tuvo que usar lente macro, en las que, claro, cualquier mínimo movimiento se convierte en, de nuevo, una agitación mareante.

Claro que este fin de semana tampoco había muchas alternativas: alguna película infantil y varias películas europeas, de las cuales para más inri más de una era española, dejaban pocas opciones para elegir. Habrá que probar suerte otro día…

Ah, una curiosidad: al menos en la versión doblada al español, han reutilizado dos veces el mismo "efecto" de sonido para la agitación que se produce entre el conjunto de transeuntes cuando comienza un tiroteo: se oye la misma voz femenina gritar "¡se van a matar!".

Gru, mi villano favorito

2010-10-28T11:50:00.008+01:00

por MONONOKE, firma invitada en SABADO CINE:

Como tantas veces decidí ir a “Gru, mi villano favorito” por las expectativas que me generó el tráiler de la peli y como tantas veces que me tienta el azar, me equivoqué. No suele ser mi criterio de elección pero compruebo con tristeza que no me funciona, no atino que diría mi madre. A los cinco minutos de película mi atención se ancló en la chirriante vocecita de la huérfana mediana y en lo poco que me gustaba el doblaje en general y el de Florentino Fernández en particular. Pasados diez minutos vislumbré la previsibilidad, pasados dos minutos advertí que conocía la historia de principio a fin y a los quince minutitos ya pensé “¡en fin al menos la estética me gusta!” y de ahí en adelante en un ejercicio de fe y patética ilusión infantil me limité -no sin un resoplido de desistimiento- a visionar el resto de una película a la que le falta diversión, le sobran personajes estereotipados y se queda en un prometedor argumento al que no se saca partido. Faltan gags desternillantes y situaciones divertidas resueltas con brillantez. En fin ¿entretenida?, o tal vez ¿visible?, o tal vez ¿“casi que la veo en casa y me ahorro los 6,50 € le preparo un cacharro de cotufas a mis hijos y pongo una lavadora mientras”?…. Me quedo con esta última pero ya es demasiado tarde, al menos para mí

La Red Social

2010-10-23T20:29:00.002+01:00

La Red Social es un claro ejemplo de que las historias que nos afectan o son cercanas tienen una enorme capacidad de atraparnos y de suscitar el interés del espectador. Es por ello que en toda película el protagonista o algún personaje relevante ha de ser apropiado para que el público se identifique de alguna manera con él. Aunque en La Red Social también se da el caso, realmente no era necesario: como usuarios casi compulsivos de facebook, ya estamos de antemano atrapados por la historia. Saber qué pasó, cómo surgió y de qué modo aparecieron las distintas características de facebook sería suficiente argumento para mantener nuestra atención.

Pero si se quedara en eso sería un documental. Los creadores de la película, sin embargo, han conseguido contarlo todo en una historia intensa y abosrbente, de las de morderse las uñas durante todo el rato. Han dotado a toda la película de un dinamismo y una vitalidad que hace recordar precisamente a la propia red social: aparecen personajes de pronto, y el espectador los va conociendo poco a poco, igual que los numerosos amigos y amigos de amigos que se pasean por la pantalla del ordenador del usuario de facebook.

Cuando acaba, uno se queda con ganas de más. El dinamismo de la película hace que uno se vaya con la pena de no poder pasarse dos horas más viéndola, la película es tan adictiva como facebook.

Y estoy seguro de que casi todos los que la vean, se conectarán a facebook en la primera ocasión que tengan para realizar una sencilla consulta… ¿se imaginan cuál?

COOL IT - La película

2010-10-18T12:31:00.003+01:00

Toda la verdad sobre la politización de la ciencia con el cambio climático: la película más necesaria de la década pronto en cines.

El Americano (el bodrio del año)

2010-10-16T19:47:00.001+01:00

No sólo me reafirmo en que el cine europeo da pena, sino que añado una nueva vertiente de ese principio: la participación europea en una película estadounidense es capaz de estropearlo hasta límites insospechados. Bueno ahora no sólo lo podemos sospechar, sino experimentarlo si queremos tirar a la basura 7’50 euros e ir a ver crecer el césped – perdón: a ver esta película.

¿Qué verá el incauto que lo haga? Un argumento y unas subtramas manidas y predecibles, propias de un principiante que se ha puesto a dirigir sin haber visto nunca antes una película. ¿O es que no les suena a conocido un asesino al que sus jefes traicionan o un hombre que se enamora de una prostituta y la saca de la calle?

También verá hasta la saciedad tomas del coche del protagonista atravesando un imponente paisaje en el que el vehículo es un minúsculo objeto en movimiento, o, en contraste, la cara de George Clooney en primer plano, eso sí: sin expresividad alguna y sin saber a qué viene. O diálogos telegráficos absurdos e ininteligibles –quizás tienen sentido para quien leyó la novela— que no explican nada. O pequeños pueblos de la Italia rural en los que parece que no vive nadie, porque sólo utilizan sus calles el protagonista o los que le persiguen. O eternas escenas del protagonista sentado en un bar o una cafetería, esperando a alguien, o simplemente matando el tiempo. O mariposas aquí y allá, en un patético y fallido intento de usar una metáfora visual de algún elemento de la película que no alcanzo a imaginar. O una detallada lección de cómo construir un rifle, paso a paso y con todo lujo de tediosos detalles. También verá muchas tetas, recurso fácil del cine falto de ideas y típico del cine latino: claro, las dos cosas suelen ir unidas.

Quizás podríamos calificar la película como “de misterio”. El de cómo pudo Clooney prestarse a semejante fiasco.

Siempre a mi lado

2010-10-16T14:31:00.002+01:00

Siempre a mi lado es una película con pretensiones de trascendencia que sin embargo son abordadas de manera demasdiado superficial como para llegar a tocar la fibra del espectador. Todo queda en un rato entretenido en el que demasiadas veces hay que renunciar a entender lo que está pasando y decidir centrarse en la simple historia romántica que narra.

Su principal problema es la incoherencia interna en aspectos fundamentales, como la interacción de las almas que el protagonista es capaz de ver en tránsito hacia el más allá. Esas almas, además de hablar con él ¿pueden afectar a la realidad física que les rodea? En la película hay secuencias que invitan a responder al mismo tiempo que sí y que no a esta pregunta: la chica --su alma, en realidad-- parece haber protagonizado un sueño del protagonista cuando tras navegar en el velero de éste con él, la embarcación aparece abandonada desde hace años en el garaje donde estaba, como si nadie la hubiera utilizdo. Sin embargo, la nota de papel en la que escribe y que es clave para el desenlace de la película, tiene realidad física cuando la encuentra el chico unas horas después.

Otra pregunta: si las almas son de personas muertas y están en tránsito hacia otra vida, ¿cómo se explica que la visión del alma de la chica se produjera cuando ésta estaba aún viva?

Lo mejor de la película es el pueblo donde se rodó: da ganas de irse a pasar unos días y navegar como los protagonistas por la preciosa costa canadiense.

El Aprendiz de Brujo

2010-09-18T19:01:00.000+01:00

Jerry Bruckheimer nos tiene acostumbrados a que su sello de productor sea garantía de calidad y originalidad. Sorprende por ello que haya respaldado la producción de esta película en la que la sensación al verla es la de haberlo visto todo antes. Harry Potter, La Brújula Dorada, Eragon y hasta Guardianes de la Noche vienen a la mente en varios momentos de la película, en la que realmente sabe a “deja-vu” la continua batalla entre brujos lanzándose rayos y hechizos (ahora llamados bolas de plasma) hasta la saciedad. Uno se pregunta por qué, si tienen poderes al parecer ilimitados, no resuelven de una vez por todas en vez de ir probando conjuros poco agresivos cada vez más poderosos alternativamente en cada bando.

No salva la película la divertida interpretación de Jay Baruchel del héroe accidental y reticente que se ve envuelto en un mundo y una batalla que no acaba de entender, ni la presencia del sobrino de Francis Ford Coppola, Nicolas Cage, ni una excelente banda sonora de Trevor Rabin, probablemente lo mejor de la producción, junto al guiño a la película homónima de animación Disney, con la escena de las fregonas que cobran vida.

En cualquier caso, una película bastante prescindible.

The Karate Kid

2010-09-11T18:28:00.000+01:00

En The Karate Kid nada es como uno se lo espera. Para empezar no se practica Karate, sino Kung-Fu. Por otro lado, cabría esperar mucha acción y largas peleas, pero éstas son sorprendentemente breves –sobre todo el esperado combate final— y la primera hora y media (dura más de dos), aun mostrando mucho mamporrazo, y muy duro en ocasiones, se centra en los protagonistas y sus historias personales, y se hace incluso lenta durante bastante tiempo. Salvan la falta de ritmo la excelente actuación del hijo de Will Smith y la de Jackie Chan, por una vez haciendo un papel serio, y encima con encanto.

Cabe destacar que por una vez se muestra una China moderna y actual, sin caer en el tópico de identificar ese país con sus estampas rurales y arcaicas, y el doblaje de la versión española, que mantiene el acento chino en los personajes chinos, incluyendo al propio Chan, lo cual le da a toda la película un toque muy verosímil que es además muy importante para la historia, lo cual podría haber pasado fácilmente desapercibido a los responsables del doblaje. Por suerte no ha sido así.

Pero si uno tiene poco interés por las artes marciales y encima se le hace lenta la película, todo ello se ve compensado con creces por la impagable secuencia de entrenamiento que sigue (¿cómo decirlo sin revelar nada esencial?) a la destrucción del coche (hasta ahí puedo leer), en la que la banda sonora de James Horner alcanza un nivel de sublimidad inigualable y es un protagonista más junto a la luz, las sombras, los actores y el director, y juntos todos ellos expresan sin palabras y de manera magistral la esencia de toda la película en unos minutos.

Decía que en esta película nada es como uno se lo espera. Bueno, hay una cosa que sí lo es: el final. No podía ser de otro modo.

SALT - ¿Quién es Salt?

2010-09-11T18:25:00.002+01:00

¿Quién es Salt? Es la pregunta que plantea la campaña promocional de la película y, si nadie te agua la fiesta revelándote el secreto (como hacen, por ejemplo, las sinopsis que ponen en algunos cines, menos mal que la leí después de ver la película), realmente se mantiene la incógnita a lo largo de gran parte de la cinta. Cierto que las tramas pensadas para el contexto de la guerra fría no encajan con la situación actual, pero pienso que esa vertiente de credibilidad histórica de la película no es obstáculo alguno para disfrutar de un buen rato de intriga de la buena, de espías de verdad y de acción trepidante, sobre todo después de las versiones “light” del género que nos han brindado “Noche y Día” o “Killers”, otro par de películas “gemelas” que salen casi a la vez.

Parece, además, que Salt ha venido para quedarse, no sólo en el recuerdo, sino en futuras entregas, no sé si cinematográficas o en forma de serie de TV, ya que si ella cumple la misión que se le encomienda al final, tiene para muchos episodios. Si la cosa cuaja en este sentido, tendremos Aneglina Jolie para rato, ya que el papel le encaja como anillo al dedo, y eso que dicen que estaba escrito para un protagonista masculino, como Tom Cruise. Creo que con este actor la película habría perdido gran parte de su atractivo –y no lo digo por el físico de Angelina Jolie, excesivamente delgada en la actualidad, creo yo— sino porque se habría percibido por el público como más de lo mismo, en relación con Misión Imposible y otros papeles similares desempeñados por él.

Origen (Inception)

2010-08-14T22:16:00.000+01:00

Añoraba yo la sensación que de pequeño me quedaba tras ver en la televisión lo que luego se convertirían en clásicos, concretamente del cine bélico o el western. Parafraseando a San Agustín, sé perfectamente a lo que me refiero si no me piden que lo explique, si me lo piden, no sabría hacerlo. Pero lo intentaré de todos modos. Está en la línea de que la película en cuestión sea capaz de trasladarte por completo a otro lugar y a otro tiempo, o a hacerte perder la noción del mismo.

Quizás consiga explicarme aludiendo a lo que no es: por ejemplo, cualquier película que sólo logre ese “traslado” de manera parcial – a otra época, a otro lugar—pero no por completo, podrá ser muy buena, excelente incluso, pero no quedará en mi memoria como algo memorable y especial. No se trata de que la película trate de lugares cada cual más lejano o fantástico, o de otras épocas, reales o imaginarias. No se trata de eso. Se trata más bien de que, siendo fantástica o no, el espectador se sienta inmerso en una historia tan intensa y bien contada que se olvide literalmente de dónde y cuándo está. Para ello la historia ha de tener una riqueza de aspectos, perspectivas, sucesos, desarrollos muy amplia. La mayoría de las películas de las últimas décadas cuentan un evento, una vida, un relato, sin conseguir esa riqueza, esa abundancia, y por lo tanto, aun siendo excelentes películas se quedan a medio camino en cuanto a ese “traslado” del que hablaba.

Con ejemplos será más fácil. De mi niñez recuerdo que “Los Cañones de Navarone” fue una de esas películas que me marcaron en ese sentido. En las últimas décadas esa sensación se me había quedado olvidada en mis recuerdos hasta que fui a ver “El caballero oscuro”. Fue una experiencia maravillosa volver a terminar de ver una película con aquella sensación de antaño.

Con Origen, Christopher Nolan ha demostrado que “El caballero oscuro” no le salió así por casualidad. Aunque seguro que lo había oído o leído, mientras veía Origen no tenía presente que se trataba de otra película de Christopher Nolan, y, a pesar de las diferencias de género y de contenidos, volvió a mí aquella sensación y tuve que caer en la cuenta de que efectivamente, era otra obra suya.

Nolan es capaz de sumergir al espectador en un mundo propio, ya sea con la enésima versión de un superhéroe o con una original historia sobre sueños. Y es que, como decía, no se trata del contenido, sino del modo de contarlo. Con su arte, Nolan ha demostrado estar en otra dimensión con respecto al resto de creadores cinematográficos: sabe lo que el público quiere, y encuentra el modo de dárselo de una manera total, y además inteligente, original y única.

En Origen el espectador está todo el tiempo viendo que suceden cosas, que se desvelan nuevos aspectos, que aparecen nuevas tramas, que se suceden las novedades, las sorpresas, los giros inesperados, y, además, unos espectaculares efectos especiales perfectamente dimensionados al servicio de una experiencia inmersiva, tanto por el relato como visualmente (y sin recurrir al 3D – vale, vale… esta vez no me meto más con eso…).

Bueno, y sobre la historia, hay que decir que también es fascinante en sí misma, sobre el mundo de los sueños – un ámbito al mismo tiempo tan cercano y tan desconocido – y su utilización al servicio de la manipulación y del crimen organizado. El modo en que los protagonistas se introducen en los sueños de sus “sujetos” recuerda ligeramente a Nivel 13 y, cómo no, al mundo de Matrix. De hecho, se podría considerar como un antecedente, una precuela casi, de esta trilogía: al fin y al cabo, si las máquinas de Matrix saben cómo controlar las mentes de los humanos, es porque ese conocimiento ya lo desarrollaron otros humanos primero, como por ejemplo en Origen.

Confiando en que Christopher Nolan mantenga esa capacidad única para crear cine total, puedo decir que estaré esperando su próxima película para volver a vivir una experiencia cinematográfica muy especial.

Noche y Día

2010-08-14T10:20:00.001+01:00

Tras ver Noche y Día, sigo sin saber qué tipo de película querían hacer sus creadores. Si nos guiamos por el trailer, lo cual suele ser la mejor manera de hacerse una idea equivocada, parece ser una comedia. En ese caso me alegro de que no alcanzaran su objetivo, ya que me revientan las comedias, tan comunes hoy en día, en que para hacer reír se olvida la diferencia entre comicidad e inverosimilitud, que es lo que hacía temer el trailer. En esta película, no hay, pues, suficientes golpes cómicos de este tipo como para sacarnos de la acción y es posible mantenerse dentro de la trama, que finalmente resulta ser hasta intrigante, con tintes de las clásicas películas de espionaje.

Claro que podría tratarse de una parodia (u “homenaje”) a precisamente esos clásicos de intriga y espionaje, en cuyo caso tampoco habrían conseguido lograr su objetivo, ya que lo que les ha salido es más bien una película de ese género un poco light y floja.

Otra opción es que realmente la idea era hacer una de espías, en cuyo caso el tono ligero y las extensas dosis de acción hacen que no esté, desde luego, a la altura de las grandes producciones de este género.

Ahora bien, siendo cierto que hay muchas y extremas exageraciones en cuanto al número de atacantes, disparos y golpes y a la gravedad de las caídas y colisiones a los que un ser humano puede sobrevivir, éstas se mantienen dentro de cierta coherencia a lo largo de toda la película, y siempre al servicio de una trepidante y espectacular acción que ya en sí misma es merecedora de ser vista (y que da muchas ganas de ver el "making of" - por cierto: se escribe así, con una "f", ¿¿¿¿qué sentido tendría con la palabra "off"????).

Si a eso añadimos las buenas actuaciones de Tom Cruise y Cameron Díaz, él como siempre, y ella especialmente convincente en su papel de compañera involuntaria y ajena a lo que sucede a su alrededor, el balance es positivo, siendo su visionado bastante agradable y entretenido.

Toy Story 3 - Day & Night

2010-08-07T22:13:00.002+01:00

Toy Story 3 no sólo está a la altura de sus dos predecesoras sino que es, en sí misma, una gran película, que demuestra que Pixar no sucumbe a la tentación de confiar el éxito de sus películas únicamente a su magnífica capacidad de creación gráfica y de animación, sino a los contenidos y los guiones.

Es una película entrañable, quizás un poco más para los seguidores de la franquicia que para quien se acerca por primera vez al mundo de estos juguetes con vida propia, pero sólo un poco. Cualquier espectador saldrá encantado de haber pasado un rato agradable y divertido.

Otro punto muy positivo es –y ya siento ser reiterativo en esta cuestión—que en ningún momento tuve la sensación de estar viendo una secuencia creada pensando en la versión 3D. Sin duda alguna, ver la película en 3D tendrá su valor añadido, pero es digno de mención que no hayamos tenido que soportar una sucesión de tomas diseñadas para explotar vacíamente el efecto tridimensional, como ocurriera en tantas otras producciones comentadas aquí.

En cualquier caso, también es de agradecer que la película no se exceda en su aspecto nostálgico, ingrediente del que abusó por ejemplo Rocky Balboa, con respecto a sus anteriores entregas. En Toy Story 3 hay un toque de despedida, pero de una manera más bien acorde con el tópico de que más que un adiós es un hasta siempre. Y quién sabe, igual hasta vuelven,,,

Mención especial merece el corto que precede a la proyección de la película, como nos tienen acostumbrados los de Pixar. En esta ocasión, nos sorprenden con una increíble capacidad de innovar, por si se nos había pasado por la cabeza que ya no había campo en que ser original en el mundo de la animación. “Día y Noche” es un corto que combina de un modo totalmente inesperado la animación plana, de simples siluetas, reminiscente de la célebre “La Línea”, con la ya tradicional imagen de animación con volumen en la que tan expertos son en Pixar. Pero sobre todo, predomina un ingrediente: una idea genial, magistralmente realizada; una estupenda historia, contada con encanto.

The Blind Side

2010-06-26T20:05:00.003+01:00

Si es cierto que Sandra Bullock puede permitirse el lujo de ser muy selectiva con las películas que hace, ésta es buena prueba de ello.

The Blind side no es una más de esas películas “basada en hechos reales” con moralina y final feliz. Es toda una lección de humanidad, precisamente sin la repelente pretensión de aleccionar. Es verdad que la protagonista lleva a cabo una buena acción de la que muchos podrían tomar ejemplo, pero es igual de importante en el argumento la “purga” de sus intenciones al hacerlo a lo largo de la película: ella misma duda de la rectitud de sus intenciones, como lo hacen las personas a su alrededor. No sólo ante éstas, sino sobre todo ante sí misma, ha de demostrar que la ayuda que presta al joven chico al que acoge en su casa no está cargada de paternalismo y autocomplacencia. Y es esto lo que hace que esta película sea tan especial, y la espectacular actuación de Sandra Bullock merecedora de un Oscar.

Cinematográficamente es imprescindible destacar el uso de las caras de los personajes para expresar sus sentimientos y estados de ánimo sin mediar palabra. Y digo caras y no las expresiones faciales, ya que es admirable cómo sin apenas hacer muecas ni grandes gestos (como haría por ejemplo Jim Carrey), en cada momento unas excelentes tomas de las caras en primer plano situadas estratégicamente son las encargadas de transmitir las sensaciones de la historia con un realismo estremecedor.

Es éste un realismo que demuestra cómo una vez más, para ser verosímil no es necesario recurrir a la fácil solución de los cineastas vacíos de ideas que consiste en mostrar imágenes y secuencias cada cual más cruda o salvaje, en una escalada de violencia cutre y desgarradora (me vienen a la cabeza pasillos mugrientos con personas drogadas recorridos cámara al hombro). Se puede usar lenguaje cinematográfico del bueno para contar de modo verosímil y fiel a la realidad y The Blind Side es un excelente ejemplo.

No en vano las personas reales en cuyas vidas está basada la historia no sólo han aprobado la versión cinematográfica sino que se han prestado para un extenso pase de fotografías al final de la película.

Por cierto: sí, aunque no lo crean, también los republicanos pueden ser buenos.

Príncipe de Persia - firma invitada: Cristina Hansen

2010-06-12T15:34:00.004+01:00

Nadie mejor que una empedernida jugadora del juego original para comentar su adpatación al cine. Con ustedes, Cristina Hansen:

El príncipe de Persia y las arenas del tiempo

Todavía recuerdo aquellos ordenadores (386, con pantalla en naranja y negro) en los que jugaba al “Príncipe de Persia”. Era un juego de niveles, y en cada uno de ellos un machanguito (el príncipe) tenía que correr, saltar y esquivar trampas, sierras, y cuchillos para llegar al siguiente. Al final de todos los niveles estaba la princesa por la que había que luchar. Este juego, imperecedero con sus sucesivas versiones, es el que acaba de ser llevado a la gran pantalla, producido por Jerry Bruckheimer (Piratas del Caribe, La Búsqueda). Así que fui al cine intrigada por cómo han podido plasmar un videojuego en una película, y por volver a ver a mi héroe de juego de ordenador en la gran pantalla.

Aunque no podamos decir que es una gran película, sí que es una buena película de aventuras. Es más: entre el argumento y la acción se consigue recrear muy fielmente la sensación del juego. Me explico. Ya desde las primeras escenas tenemos al príncipe corriendo, saltando entre casas, caminando sobre maderas que sobresalen. A veces le da la sensación a uno de tener que apretar espacio más flecha para que logre saltar lo inimaginable. Estas hazañas del juego se repiten a lo largo de la película.

No sólo eso, la propiedad de la daga de volver atrás en el tiempo recrea estupendamente la posibilidad de repetir la jugada de cualquier juego de ordenador (pierdes una vida y vuelta a empezar, con la experiencia ganada del anterior intento: es exactamente lo que le ocurre al protagonista en la película), con un sorprendente final que descansa precisamente sobre esta sensación de volver a jugar el juego para llegar al final deseado.

Bajo mi modesto punto de vista, habiendo jugado bastante poco a juegos de ordenador, me parece una magnífica adaptación de las sensaciones de jugar convertidas en una película de acción, igual que el Hulk de Ang Lee supuso, al margen de la calidad de la película, una fantástica manera de adpatar al cine la sensación de estar viendo un cómic.

Si te gustó jugar al Príncipe de Persia, esta es tu película.

EL ESCRITOR (The Ghost Writer)

2010-05-29T22:42:00.002+01:00

El Escritor es una película de intriga, en el contexto de los servicios secretos americanos y su influencia en la política de otros países. Este tipo de películas se caracterizan por los infiltrados, los dobles agentes, los espías y el lema de que “nada es lo que parece”. Sin embargo la trama de El Escritor es bastante lineal, y todo acaba siendo lo que parecía ser. Distintos espectadores se percatarán de la clave de a película –de quién es el personaje decisivo—antes o después, pero a partir de ese momento la intriga emana de otra fuente: ¿cuándo acabará metiendo la pata el protagonista, cuándo le llevará su propia ineptitud a manos de los que le quieren muerto?

Durante toda la trama el protagonista aparece involuntariamente atrapado en el descubrimiento de los trapos sucios del personaje al que le está escribiendo su “autobiografía”. Está claro que el guión pretendía hacer énfasis en que él se vio envuelto en todo el asunto sin buscarlo y sin tener madera de periodista de investigación, pero en mi opinión fue demasiado lejos en su impericia y falta de la más básica precaución, que, sin llegar ni pretender ser cómica, acaba siendo totalmente irreal e inverosímil: en varias ocasiones se mete directamente en la boca del lobo por pura temeridad o ingenuidad, y lo lógico habría sido que en todas ellas hubiera acabado muerto o en manos de los conspiradores. El que no sea así es otra vuelta de tuerca más en la dirección de la inverosimilitud. Es decir, un clavo saca a otro.

Ahora bien, dado ese, en mi opinión equivocado, cariz del guión en cuanto al protagonista, hay que alabar la actuación de Ewan McGregor, que efectivamente consigue transmitir a la perfección lo que se le pedía y despertar las ganas de darle una colleja para que espabile o se vaya a casa y deje el asunto para un profesional.

Una nota sobre la versión española de los diálogos: parece que se ha introducido en la traducción de los guiones una excesiva tendencia de interpretar como “tú” el “you” del inglés, lo cual es especialmente llamativo en esta película. En la vida real personajes que no se conocen entre sí y al mismo tiempo son de reconocido prestigio no pasan del “usted” a tutearse a partir de la segunda frase sin más. El que lo hagan en El Escritor es otro brochazo de inverosimilitud que además hace caer al espectador en el hecho de que se trata de una traducción, lo cual inevitablemente le saca de la película, algo que hay que evitar a toda costa en el cine.

Robin Hood

2010-05-22T15:44:00.001+01:00

Robin Hood es una más de tantas películas con que algunas productoras están intentando rentabilizar el tirón de personajes que en la historia del cine han demostrado acarrear grandes éxitos de taquilla. Dentro de esta tendencia están los que deciden continuar las sagas comenzadas años atrás, como Superman Returns, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, …; y los que deciden explorar los orígenes de las leyendas, como Batman Begins, El Exorcista: el comienzo, o esta versión de Robin Hood de Ridley Scott. El problema de este último tipo de precuelas es que muchas veces se intenta explicarlo todo, incluyendo lo inexplicable, o lo que habría quedado mejor sin explicar.

En Robin Hood, Ridley Scott cae en esta última tentación y enmarca el afán justiciero de Robin de los Bosques en la lucha de los señores del Reino Unido por resistirse a la opresión de su rey, en la que el padre de Robin Hood había desempeñado un papel importante, muriendo cuando éste era aún muy pequeño. El hijo no recordaba lo ocurrido, pero retoma la lucha de su padre a través de una serie de casualidades que le llevan a conocer a uno de los que lo presenciaron, quien le cuenta sus orígenes revolucionarios.

Pero son demasiadas casualidades para la credibilidad de un guión y, en su empeño por explicarlo todo, el resultado, además de ser muy forzado, incurre en incoherencia con las demás versiones de Robin Hood, en las que el Rey Ricardo Corazón de León está vivo, mientras que en ésta se parte del presupuesto de que muere en el camino de regreso de las cruzadas.

Adolece, además, de cierta incoherencia de estilo, ya que por un lado parece querer engarzar el relato en un marco histórico verosímil mientras que por otro narra hechos muy poco creíbles para la época en que suceden, como la participación de una mujer disfrazada de caballero al mando de un grupo de adolescentes asilvestrados en una batalla que cambió el rumbo de la historia de dos potencias como Francia e Inglaterra.

Al margen de estas cuestiones, la película acaba siendo una película de época y de acción más, entretenida, pero que no quedará en el recuerdo más que como un intento fallido de ser la versión cinematográfica definitiva de una leyenda.

Furia de Titanes - Tenerife en la Gran Pantalla

2010-05-22T12:19:00.001+01:00

La verdad es que antes de que se diera a conocer esta nueva versión de Furia de Titanes este tipo de películas no había resultado para mí especialmente interesante, y ni siquiera había visto la versión antigua. Lo comento porque esto significa que me acerqué a verla sin ningún condicionamiento previo, sin ninguna expectativa más allá de la que nos transmitió la promoción publicitaria.

Vista de este modo, la experiencia fue positiva y entretenida, con un buen equilibrio de aventura, acción, argumento y efectos visuales. Las actuaciones estaban a la altura y la música acompañó sin desmerecer. Todo ello hace de Furia de Titanes una película que bien merece la pena ir a ver al cine teniendo en cuenta los precios a los que están las entradas, aunque no será la más recordada de la temporada para la mayoría, simplemente una más.

Digo para la mayoría, porque para los que vivimos en Tenerife ver esta película tiene un aliciente especial, el de ver paisajes y recovecos bien conocidos para nosotros convertidos en escenarios naturales para la ciudad Argos, o los alrededores de ámbitos mitológicos como el Monte Olimpo o el reino de Hades. La próxima vez que nos paseemos por las Cañadas del Teide miraremos por el rabillo del ojo por si acecha un escorpión gigante entre las rocas volcánicas…

También hay que hacer una salvedad en el sentido contrario: para los conocedores y puristas de la historia de la mitología griega debe de ser un suplicio el visionado de esta película. No lo digo por conocimiento propio, sino porque sé de alguno que ni siquiera aguantó hasta el final y salió del cine despavorido a mitad de la misma.
En cuanto a coherencia del argumento yo sólo tengo una incógnita, que quizás algún lector pueda despejar: si Io, convertida en una especie de ángel de la guarda de Perseo, era inmortal, ¿por qué muere en el ataque del rey Acrisio, , fichado bajo el nombre de Calibos como aliado por Hades?

Más Allá del Tiempo (La Mujer del Viajero en el Tiempo)

2010-05-01T16:00:00.005+01:00

Es difícil valorar una película basada en una novela que uno considera una de sus favoritas. Por un lado, porque sencillamente es difícil no caer en la tentación de comparar la novela con la película, lo cual siempre lleva a conclusiones injustas si no se tiene en cuenta la “traducción” de un lenguaje a otro –del literario al cinematográfico. Comprender esa traducción, también llamada adaptación, requiere conocer los dos lenguajes, y sin embargo habitualmente lo hacemos sólo desde el conocimiento del de la novela. De ahí emanan las manidas objeciones de que “eso no sale en la novela” o “en la novela eso no sucedía así”...

Más Allá del Tiempo es un claro ejemplo de adaptación que podría ser objeto de este tipo de críticas. Y sin embargo lo que hay que valorar es si ha sabido transmitir las mismas sensaciones, los mismos estímulos interiores en el espectador que el texto en el lector. Para ello el director puede introducir cambios, muy drásticos a veces, pero justificados si están al servicio de ese fin. En este sentido he de decir que hay momentos de la película que efectivamente consiguen evocar las mismas sensaciones que el libro. Las escenas del prado donde una y otra vez se encuentran los protagonistas son exactamente como me las imaginaba al leer la novela.

Sin embargo, globalmente creo que la pelíucla no consigue fascinar como la novela. Es difícil saber en qué medida influye que el factor sorpresa sobre el original argumento de la historia no puede repetirse si ya has leído el libro. Pero creo incluso para quien va a ver la película sin conocer la novela, a pesar de contar con ese factor sorpresa, el resultado final es bastante plano. Quizás en su afán de dejar muy claro lo que indudablemente era muy difícil de explicar, el director haya ido demasiado lejos, compartimentalizando la historia en capítulos casi independientes, resolviendo una sub-trama antes de plantear la siguiente Así, la realidad de los viajes en el tiempo, la relación con la chica, la relación con los padres, la cuestión de los hijos, la cuestión de su propia muerte, se tratan de manera sucesiva y no entrelazada, dándole a la película una sensación de inversimilitud que no emana del aspecto fantástico, sino de que la vida real no funciona en compartimentos estancos.

Para explicar la parte complicada del argumento le bastaban al director sus magistrales primeros minutos, en los que en poco tiempo lo dejó todo muy claro. Consiguió de manera eficacísima y en pocas secuencias poner a todos los espectadores en situación, evitando confusiones y malentendidos posteriores que podrían sacarlos de la película. Pero a partir de ahí sigue primando su afan “explicativo”, haciendo que la película cojee en intensidad emocional a pesar del potencial que tenía para ello, probablemente dejando indiferentes a la mayoría.

En cualquier caso, la hayan visto o no, lo que les recomiendo encarecidamente es leer la novela de Audrey Niffenegger, “La Mujer del Viajero en el Tiempo”.

QUERIDO JOHN - Oda al AMOR de Lasse Hallström

2010-04-17T16:43:00.005+01:00

Comentaba antes de entrar en el cine que alguna vez se podría dar la circunstancia de que Lasse Hallström dececpcionara, y que quizás sería una película romántica como ésta donde podría tropezar. Nada más contrario a la realidad. Toque el tema que toque, Lasse Halström es el rey Midas del cine.

Nadie como él es capaz de convertir en cine situaciones tan reales como la vida misma sin que el resultado sea aburrido, sino todo lo contrario. Pura poesía en una pantalla. Ya lo hizo con la sencilla relación de un hombre con su perro en Hatchiko, comentada también en este blog.

Es la especialidad de Halström la capacidad para introducir todos los matices, aspectos, enfoques y salvedades que en la vida misma hacen que cualquier situación no sea tan simple y maniquea como queremos ceer. En el cine de Halström no hay buenos ni malos, sino personas que sufren, aprenden, superan dificultades o sucumben a ellas en situaciones tan reales como la vida real. Y gracias a esto, no podía haber nadie mejor que este director para hacer una verdadera oda al amor, al amor real que todos podemos sentir y tenemos a nuestro alcance, lleno de imperfecciones, limitaciones y retos por superar. Y, paradójicamente, precisamente por ello ha resultado ser un homenaje al AMOR con mayúsculas, porque es un amor posible y heróico, que saca lo mejor de las personas tras haber pasado por el tamiz de sus debilidades.

QUIEN QUIERA VER LA PELÍCULA SIN PERDER EL FACTOR SOPRESA, QUE NO SIGA LEYENDO.

Esto viene genialmente expresado con la carta que lee el hijo al principio y que parece estar escrita para su amada y que, casi al final vemos que estaba dirigida a su padre, un espectacular Richard Jenkins. Tras haber construido con todo su despliegue de medios lo que pasados dos tercios de la cinta parecía que iba a ser una historia románica más, con trasfondo del 11S y las guerras de irak y afganistán incluidos, todo ello se derrumba con la re-lectura de la mencionada carta y colocación en primer plano del amor entre John y su padre. Luego aparecen otros "amores", otras facetas del único amor, habría que decir, como el amor al prójimo en la igualmente realista y desgarradora decisión de John de no entrar en el juego de recuperar a Savanah ya casada con su viejo amigo Tim, a pesar de saber que ella estaba por la labor. Es el amor convertido en respeto por el otro y en el reconocimiento de haber perdido la oportunidad cuando la tuvo, no queriendo desandar lo andado a costa del dolor de terceras personas.

Sólo en una fría disección quasi-científica de la realidad cabe separar el amor romántico del amor filial o de otras de sus manifestaciones. En Querido John queda patente que amamos con el mismo corazón, que somos la misma persona cuando amamos a nuestra pareja, queremos a nuestros padres o sentimos una genuina compasión por personas deficientes o enfermas. Vemos, sentimos, lo doloroso que puede llegar a ser el ver que pasa el tiempo y uno no llega culminar todos sus amores, el verse incapaz de abarcar a todos a causa de las propias limitaciones y lo triste que puede ser darse cuenta de no llegar a tiempo. John casi llega tarde para su padre, perdió a Savanah, pero finalmente se redime respetando su matrimonio con un enfermo Tim y ganando además tiempo de vida para quien había ocupado su lugar junto a su amada, a través de una donacón anónima para su costoso tratamiento.

Lasse Halström es insuperable a la hora de utilizar todos los recursos posibles –todos—para crear un mensaje y transmitir sensaciones y sentimientos. En esta película son fundamentales las palabras. Pero Halström hace poesía con otros elementos también, como los entornos y elementos naturales. Es capaz de conmover con el simple seguimiento del recorrido de una carta desde el remitente hasta las manos del destinatario. Es capaz de conseguir que John, el protagonista (un desconocido y magnífico Channing Tatum), tenga casi siempre un mínimo de expresividad, para fugazmente mostrarle contento entre sus compañeros del ejército, el único entorno en que estaba alejado de sus seres queridos, en otro magistral contraste que expresa cómo el amor es exigente y trae consigo responsabilidades de las que se puede querer huir o refugiar.

Extraordinaria está también Amanda Seyfried (conocida por ¡Mamma Mia!), llena de expresividad contenida y encanto innato, ideal para el papel y el estilo de este director.

Ejemplo del lenguaje cinematográfico convertido en poesía por Hallström son también las secuencias de John en el agua, haciendo surf entre las olas o hundiéndose bajo ellas, según su estado de ánimo, pero siempre mostrando claramente que es en la soledad y aislamiento donde se encuentra consigo mismo, alejado una vez más, de las demandas del amor que en tierra firme le desgarran por dentro.

Quizás sea un ejemplo anecdótico, pero no puedo dejar de mencionar la brevísima secuencia en que, en el momento de más dramatismo emocional, John aporrea de rabia el volante del coche que conduce y se produce el efecto indeseado de que se pone en marcha en limpiaparabrisas. Como la vida misma, seña de identidad del cine de Hallström.

Así pues, ¿Quién sino iba a ser capaz de lograr una obra maestra a la hora de hacer una película sobre el amor? Vista “Querido John” es difícil comprender que para contestar a esta pregunta se pueda dudar ni siquiera una fracción de segundo en pronunciar el nombre de este director. Quién sino.

Cómo entrenar a tu dragón

2010-04-10T20:09:00.001+01:00

Ir a ver esta película ha sido una de esas ocasiones en las que uno va sin muchas expectativas y sale encantado. Sería difícil destacar un motivo por el cual la experiencia es tan satisfactoria, quizás se podría definir por las tentaciones en que no han caído sus creadores. No han caído, por ejemplo, en la tentación de confiar en la fama del libro en el que se basa, y en cambio se han preocupado por un buen guión, fundamento de cualquier buen producto. No han caído tampoco en el efectismo y no se han entretenido en excesivas escenas pensadas en regodearse en el 3D (véase la “Nota sobre el 3D” más abajo). Tampoco han caído en la fácil tentación del exceso de comicidad o de bromas fáciles. Las que hay son las justas y no le restan credibilidad al argumento de aventuras. También tenían en bandeja caer en una exageración de la “moraleja” de que la guerra se fundamenta en el desconocimiento del supuesto enemigo o de que los problemas se solucionan poniéndose en el lugar del otro. Precisamente porque no enarbolan ese mensaje con aires de superioridad moral, como sucede en tantas otras películas, él propio mensaje cala mucho más, casi sin que uno se dé cuenta, con lo importante que es para los niños que la van a ver.

No puedo dejar de mencionar, una vez más, lo importante que es una buena música para conseguir un producto redondo. La banda sonora de John Powell consigue expresar en sus temas toda la carga épica, sentimental y aventurera del guión, incluido el efecto envolvente que se pretende con la tecnología 3D.

Es este, por cierto, un caso más de duplicidad de ideas: ya está siendo anunciada una película de planteamiento casi idéntico: Cazadores de dragones. En casos como estos nunca es fácil saber quién copió a quien, ya que es muy frecuente que el “copión” se esfuerce en salir al mercado un poco antes y aprovechar así la ventaja de que la suya sea la primera. Lo que está claro es que será difícil superar una película tan redonda como “Cómo entrenar a tu dragón”.

Nota sobre el 3D y lo que cuesta ir al cine

2010-04-10T20:08:00.001+01:00

La verdad es que me alegro de haber esperado a esta ocasión para ver una película en 3D, cuando ya ha pasado (un poco) la histeria inicial. Hay que reconocer que la tecnología está mejor conseguida que en anteriores intentos, pero sigo afirmando que no aporta mucho. Eso lo digo a pesar de que “Cómo entrenar a tu dragón” se prestaba mucho a aprovechar las ventajas del efecto estereoscópico. Aún así, sólo me pareció una experiencia especial en secuencias muy puntuales, y no precisamente las de vuelos en picado. Es una curiosidad que a mi entender no justifica el incremento del 50% en el precio de la entrada. Si lo introdujeran al mismo precio que las demás películas quizás se consagraría, pero de esta manera, una vez vista la novedad, el público va a seguir optando por la versión tradicional, y si es el día del espectador, mejor. Tampoco justificará los altos precios que seguramente tendrán los equipos que ya han anunciado que se venderán para ver cine en 3D también en casa.

En cuanto al precio de la entrada hay que decir que los cines nos la han vuelto a meter doblada, eso sí paulatinamente. Tras haber tenido que rectificar hace unos cuatro o cinco años, lo han vuelto a intentar yen poco más de un año, lo que era el precio más caro,entre 5,50 o 6,00€, ha llegado a ser el mínimo posible con el máximo descuento que uno puede conseguir, siendo menor de 12 años por ejemplo. Esto se disfraza con numerosas promociones, pero ir al cine se ha vuelto demasiado caro para que estos precios se sostengan. Luego se quejan de que no va nadie. En Estados Unidos hay salas donde ir a ver películas por un dólar. No son los estrenos, pero a la segunda o tercera semana en cartelera, todas las películas se pueden ver a ese precio. Esa es la diferencia entre un país que se vuelca con la industria cinematográfica y otros en los que el cine es incapaz de sobrevivir sin ayudas y subvenciones.

BROTHERS

2010-03-20T16:10:00.002Z

Hay muchas maneras de hacer bien una película. Para quienes el estilo de Nick Cassavetes en La decisión de Anne era demasiado lacrimógeno, haciendo demasiado hincapié en los sentimientos que despierta en los protagonistas y el público la problemática tratada, está la alternativa fría e hiperrealista e igualmente magistral que Jim Sheridan (The Boxer, En el nombre del Padre, Mi pie izquierdo) despliega en Brothers.

Marines que son personas muy corrientes (el protagonista interpretado por Tobey Maguire y su compañero interpretado por Patrick Flueger), una familia que, como todas, tiene sus heridas mal cerradas, una casa con el desorden normal de estar habitada, y una esposa (Natalie Portman) que ante la muerte de su marido no se deshace en lágrimas, sino que tiene dificultades en sentir lo que se espera en tal situación, son ejemplos de cómo Jim Sheridan cuida la verosimilitud en sus planteamientos.

Por ello el resultado es una cinta que a primera vista parece demasiado fría, como el invierno en que se sitúa y la nieve que rodea a los protagonistas durante ese invierno real y figurado en que transcurre la trama. Esto último es un claro ejemplo, por cierto, de cómo es importante la concurrencia de la profesionalidad de todos los implicados en una película para que el resultado sea “redondo”: el responsable de la ambientación “meteorológica” no eligió por casualidad esa estación del año, ni que sea precisamente en la escena final cuando empieza a derretirse el hielo y la nieve...(y hasta aquí puedo leer).

El caso es que, como decía, el resultado puede parecer demasiado frío. Pero como en una buena película de terror, es precisamente la cercanía de la posibilidad de vivir lo que se está viendo lo que empieza a estremecer al espectador: son sin duda situaciones extremas las que se relatan, pero las acciones y reacciones de los personajes son tan “normales” que aterra pensar que podríamos ser nosotros los que así actuaríamos. Para ello el director ha tenido que contar con unos actores conscientes en todo momento de este planteamiento hiperrealista, contribuyendo con unas magistrales actuaciones contenidas, que no por ello menos intensas. Todos ellos despliegan una espectacular sinergia con el director: Tobey Maguire, a quien es realmente difícil no ver como el Peter Parker de Spiderman, una Natalie Portman que va madurando y está notable como madre y esposa en un papel antes poco habitual para ella, un magistral Jake Gyllenhaal, cuyo papel y por tanto su actuación es fundamental para el éxito del producto...y sobre todo, una impresionante y apabullante actuación de la pequeña Bailee Madison (antes vista en un papel secundario de Un puente hacia Therabitia), en línea con la interpretación contenida y a la vez intensa de sus compañeros de reparto, con una naturalidad perfectamente controlada, que realmente hace pensar que su personaje era una niña a la que le estaba sucediendo lo que acontecía en la película.

Por cierto, Brothers es una exploración de las nefastas consecuencias de la guerra en las vidas de quienes van a combatir y sus familias, que no cae en el cansino tópico de la ideologización del mensaje ni en el facilón y manido “no a la guerra”. La vida real es más compleja que todo eso: para comprobarlo, nada mejor que ir a ver esta película.

TRON LEGACY

2010-03-11T08:37:00.005Z

Esto promete...¡pena que haya que esperar hasta final de año!

TIANA Y EL SAPO - el (tímido) retorno del Disney "clásico"

2010-03-06T23:37:00.002Z

Tiana y el Sapo se ha anunciado como el regreso de Disney a la animación tradicional tras el paréntesis que se tomaron desde 2004 estos estudios para producir productos proyectables en 3D con la emergente tecnología que tanto se está promocionando (Chicken Little, Descubriendo a los Robinsons, Bolt) y el regular éxito que tuvieron sus últimas producciones “clásicas” como Hermano Oso (2003) y Zafarrancho en el Rancho (2004).

Realmente, su último verdadero éxito al estilo “clásico” fue Lilo y Stitch (2002), para algunos incluso hay que remontarse a Tarzán (1999) para poder etiquetar una producción de Disney como un éxito de estilo “clásico”. Lo que está claro es que aún hoy Disney vive de la reputación y fama que se ganó con aquellas memorables películas de animación de las que Pocahontas, el Jorobado de Notre Dame o el Rey León son sus últimos exponentes que están a la altura de aquellos Blancanieves, Bambi, Dumbo…

¿Han conseguido con Tiana y el Sapo volver a aquel estilo que tanto deseábamos volver a ver en las pantallas? Considero que en parte sí, aunque si quieren volver a aquella senda –y espero que quieran y lo hagan—aún les queda un buen trecho que recorrer. Hay tramos de la película que son capaces de devolvernos a aquella magia, pero otros quedan bastante lejos de ella. Me refiero concretamente a casi todas las secuencias en que aparece el Señor de las Sombras y su mundo irreal, ajeno, en estética y contenidos, al ambiente grato y entrañable del resto de la película.

En especial, la secuencia musical en la que él se presenta al príncipe y su ayudante fueron suficientes para estropear la sensación de estar presenciando una historia que apela al corazón, sustituyendo esa sensación por la de una superficialidad y frivolidad que no encaja con el resto. Sobran esas secuencias que se desarrollan en un entorno fantástico y totalmente inconexo con el de la historia, ya que quiebran la coherencia interna del producto final.

La segunda mitad de la película ya no adolece tanto de estos excesos histriónicos y se centra más en la historia de Tiana y el Sapo propiamente dicha, consiguiendo, ahora sí, evocar aquellas historias con que todos identificamos a la Disney.

Me quedo por ello con la sensación positiva de que si lo siguen intentando y no abandonan la recuperación de esta línea de producciones “clásicas”, muy pronto podríamos ver en la pantalla de manos de la factoría Disney películas tan memorables como El Libro de la Selva o Peter Pan, demostrándose una vez más que la clave está en las historias que se cuentan y no tanto en los elementos efectistas, que solo logran un éxito efímero que quedará eclipsado tan pronto haya otro que consiga el “más difícil todavía”. Lo que queda en la memoria de las personas y a través de ellas en la memoria colectiva son los buenos guiones que nos hicieron reír, llorar, sufrir y disfrutar como niños. En ese sentido, Tiana y el Sapo apunta en la buena dirección.

THE LOVELY BONES

2010-02-27T16:32:00.005Z

The Lovely Bones no es una novela que haga pensar en una película. Lo reconoce Peter Jackson, aunque ello no le impidió aceptar el reto y ponerse manos a la obra. Y su manera de hacerlo hace honor al lema de Avatar (comentada también en este blog) mucho mejor que ésta: Entra en un mundo nuevo. Y es que para ver The Lovely Bones hay que estar preparado para adentrarse en un universo con el que se intenta mostrar lo inimaginable, el mundo de los sentimientos de una persona que acaba de morir y se resiste, al igual que los que quedaron atrás, a pasar página.

Tanto la protagonista, una niña asesinada por un psicópata, como sus padres y hermana, se empeñan en mirar atrás y, cada uno desde su posición, pretenden mantener la herida abierta. Y aunque parece que sus esfuerzos tienen sentido en cuanto a dar con el asesino y conseguir justicia, lo que la película deja claro es que no resignarse y quedarse en el lamento, por muy orientado que esté hacia buscar al culpable, es fuente de una parálisis que se evidencia en el lento ritmo de la acción. Parálisis que a la familia no le deja seguir viviendo y que a la niña muerta no le deja completar su entrada en el cielo.

Normalmente soy poco favorable a películas lentas, pero por una vez he de reconocer que en este caso, la lentitud forma parte de la historia. Además en este caso lentitud no es sinónimo de monotonía, sino todo lo contrario: las largas secuencias que con gran belleza y fantasía expresan los sentimientos de la niña atrapada en la antesala del cielo constituyen un magnífico despliegue de imaginación y hasta de poesía en imágenes que no llegan a cansar.

Yo lo resumiría en una frase: hace falta mucho más que un minuto para expresar lo que ocurre en el interior de una persona durante un minuto – tanta es la riqueza del mundo de los sentimientos.

Exceptuando a Stanley Tucci en el papel del psicópata (justamente nominado al Oscar por él), creo que las actuaciones podrían haber sido más expresivas. Tenemos en el elenco de la película nada menos que a Rachel Weisz, reaparecida tras Ágora (véase comentario al comienzo de este blog, es decir, abajo), Mark Wahlberg y Susan Sarandon, a quienes no daría más que un aprobado raspado. Pero no por ello queda eclipsada la poderosa historia y la expresividad visual conseguida por Peter Jackson.

Creo que Peter Jackson ilustra con una película lo que declaraba en una reciente entrevista: el futuro del cine no está en el 3D, y cuando se acabe la sorpresa de los efectos, habrá que volver a buscar buenas historias. The Lovely Bones es un buen ejemplo de ello.

LA DECISIÓN DE ANNE (MY SISTER'S KEEPER)

2010-01-23T20:25:00.001Z

La decisión de Anne es una de esas joyas poco publicitadas que si nadie lo remedia acabarán injustamente siendo emitidas un domingo por la tarde por la televisión como si de un telefilme más se tratara. Hace poco tuvimos el ejemplo de “Madre en apuros”, protagonizada por una magnífica Uma Thurman. La decisión de Anne es una obra maestra de esas que sólo se encuentra uno en la gran pantalla una vez cada varios años.

La decisión de Anne es una película magistral desde cualquier punto de vista, en la que Cameron Díaz y Abigail Breslin interpretan a la madre y hermana, respectivamente, de una niña en las fases finales de su lucha contra la leucemia. Cameron Díaz nos regala con una extraordinaria actuación que confirma, quizás un poco tarde en su carrera, que dentro de esa fachada de rubia guapa había una gran actriz. Ya lo había dejado intuir en “The Holiday”. Y para Abigail Breslin el papel protagonista de esta película la consagra como una magnífica actriz adolescente con la capacidad de interpretar personajes inmersos en profundos dramas, lo cual es con seguridad el punto de partida de una carrera de gran éxito, si sabe seguir eligiendo sus papeles. Recordémosla en “Sin reservas”. No se puede tampoco dejar de lado la impresionante actuación de Sofia Vassilieva como la niña enferma y los demás miembros del reparto, que incluye a Evan Ellingson (el hijo de Horatio en CSI Miami) y un breve papel para Emily Deschanel (La Dra. Brennan, también conocida como “Huesos”).

Pero las actuaciones no son lo único que hacen de esta película la obra maestra de que hablaba. Como siempre, una buena película es el resultado de la contribución de la excelencia en todos sus aspectos, y es esto lo que sucede con La decisión de Anne. Partiendo de un magnífico guión adaptado y de una dirección que roza la perfección, se obtiene una película que, a pesar de la temática, es todo un despliegue de arte y técnica cinematográfica sin necesidad de recurrir a efectos 3D ni a extravagantes experimentos.

Es una historia que desde el principio hasta el final exhibe un ritmo perfectamente mantenido gracias a que en los momentos más inesperados, cuando ya parece que la historia está completamente planteada y sólo cabe esperar el desenlace, aparece un nuevo ingrediente, un nuevo elemento argumental que abre nuevas expectativas e interrogantes. Estos ingredientes tan hábilmente dosificados por el director no son en absoluto añadidos postizos, sino elementos íntimamente relacionados con la poliédrica realidad de la concepción de niños con el fin de que sean repositorios de órganos para familiares enfermos. Así, los autores demuestran que en esta controvertida cuestión, como en tantas otras, las cosas no son ni tan simples ni tan claras como se podría desprender de tantos debates superficiales que suscita, y a lo largo de la película van apareciendo los puntos de vista de la madre que se ha obsesionado con salvar a su hija enferma, de la hija-repositorio, del padre que soporta y deja hacer, del hermano que en esta complicada situación no recibe la atención que debería, de los médicos que intentan hacer todo lo posible, la del sistema legal y cómo no, la de la propia niña leucémica que ve que por su causa su familia está desquiciada y sufre más por eso que por su enfermedad.

Para que todos estos elementos aparezcan uniformemente distribuidos, el director utiliza con maestría el recurso del flash-back. En un primer momento el espectador empeñado en tener controlada la sucesión temporal de los acontecimientos puede verse un poco desorientado, pero no tardará en percatarse de que lo importante de los flash-backs no es su ubicación en el tiempo, sino su aportación argumental a la historia, que como si fuera un canon, se va enriqueciendo escalonadamente con una amplia riqueza de ángulos sobre la problemática.

De esta manera, se abordan temas polémicos como la ingeniería genética para la donación de órganos, los cuidados paliativos, el derecho a una muerte digna, la cohesión familiar, sin abundar en manidos argumentos a favor o en contra, sino mostrando el efecto que determinadas decisiones en estos ámbitos tienen sobre las personas implicadas. Estas personas son mujeres, hombres y niños reales, con sentimientos encontrados, ni buenos ni malos del todo pero siempre bienintencionados, personas que sufren, aman y viven de la mejor manera que saben ante una situación extrema. La realidad es así, sin bandos, ni buenos ni malos, y de hecho hay un momento en la película en que el padre de la niña, ante el reproche de su esposa de no estar de su lado, responde diciendo “¿Es que ahora hay lados? En esto no hay lados…” Todo un resumen del planteamiento de la película.

La decisión de Anne lo tiene todo. Incluida una de las más bonitas historias de amor que se han visto en el cine, rematada por la declaración de amor más extrema y por ello bonita que recuerdo en una película: la de un compañero de hospital de la niña enferma, él mismo afectado por leucemia, con la que ella mantiene una intensa y breve relación amorosa hasta el punto que él es capaz de afirmar que “Me alegro de estar enfermo porque si no, no te habría conocido.”

Tiene momentos cómicos tan bien entrelazados con el dramatismo que uno no sabe si llora de alegría o de pena en una sublime mezcla de sentimientos que el director logra provocar por medio de sencillas escenas casi cotidianas dentro de la grave situación que viven. Es una oda al amor en todas sus vertientes –maternal, filial, romántico, fraternal, de compasión—tan real que, como la vida misma, nos hace sonreír mientras aún caen lágrimas por nuestras mejillas.

Y consiguiendo el más difícil todavía, esta película tiene incluso un elemento de intriga hábilmente sostenido a lo largo de la película, a través de aparentemente ininteligibles secuencias del hermano deambulando por la calle y que al final encuentra su explicación en un sorprendente giro argumental que corona el magnífico guión.

Es tanta la riqueza de esta película que cada secuencia, cada toma, adquiere y expresa una profundidad de significado insospechada que se podría analizar extensamente por separado. No le sobra ni le falta ningún fotograma e incluso la fotografía, utilizada de manera sobria pero con una eficacia ejemplar añade toda una dimensión poética contribuyendo a hacer un producto redondo.

En conclusión, es una película que me temo que va a pasar por los cines y los expositores de DVDs con una falta de notoriedad totalmente injustificada. En realidad es una película que no hay que perderse. No digan que no les había avisado.

Nota: sólo un comentario más para expresar mi total disconformidad con la ligereza con que los distribuidores para España se toman la traducción de los títulos. Una vez más parece que el título en español se lo han dado en base a la lectura de una sinopsis y no de un visionado de la película completa. En este caso, como en tantos otros, el título en español no sólo no le hace justicia a la intención de los autores de la película, sino que desvirtúa las expectativas del público. Con lo fácil que habría sido tomar el título de la novela en español (“La decisión más difícil”) o traducir el título de una manera que conservara la ambigüedad de “My sister’s keeper”, como por ejemplo “¿Quién cuida de mi hermana?” (Y hasta aquí puedo leer…).

LLUVIA DE ALBÓNDIGAS

2010-01-23T20:02:00.003Z

Ver Lluvia de albóndigas es una experiencia absolutamente satisfactoria debido sobre todo a la falta de pretensiones por parte de sus creadores. Una falta de pretensiones que hace que el resultado se aleje de ser un "quiero y no puedo" y los espectadores no se creen falsas expectativas.

Descansa sobre una idea muy original y la desarrolla de manera sencilla pero eficaz, en términos de entretener y arrancar alguna sonrisa que otra. Es una película para toda la familia, ya que el hecho de que llueva comida del cielo es fuente de hilaridad para cualquier niño, y al mismo tiempo las múltiples bromas que sólo entenderán los padres hará que éstos también salgan satisfechos de la sala de cine.

Es, además, un gran homenaje a los numerosos escolares que, tildados de empollones, han de sufrir las burlas de sus compañeros. Es un homenaje a la ciencia que estos escolares admiran haciendo que por una vez los héroes de los protagonistas sean los científicos famosos de toda la historia. No se pierdan la habitación del protagonista cuando era pequeño.

CUENTO DE NAVIDAD

2010-01-10T22:54:00.002Z

Tras el ensayo general de Polar Express, Robert Zemeckis ha perfeccionado la curiosa técnica de ida y vuelta por la que se convierte a actores reales en personajes de animación, lo cual implica la distorsión de sus facciones para que parezcan realmente el producto de una animación y encajen con el entorno diseñado gráficamente, para luego intentar que el conjunto –personales y entorno—parezcan lo más real posible. Digo que lo ha perfeccionado, porque realmente hay personajes muy logrados, pero el resultado final dista mucho de ser satisfactorio. Aún abundan y llaman la atención las miradas al infinito que no se fijan en nada de muchos de los protagonistas de animación, que les dan ese carácter irreal. Una pena la versión infográfica de Colin Firth, un tan buen actor reducido a un dibujo animado inexpresivo.

El comienzo de Cuento de Navidad es espectacular y prometedor, con un perfecto equilibrio entre el contenido argumental y los inevitables efectos que – no sé si por contrato— parece que se ven obligados los productores a incluir si la película va a ser distribuida en el circuito de salas 3D. Sin embargo, la promesa queda incumplida y el equilibrio roto en favor del efectismo, del exceso de secuencias pensadas exclusivamente para realzar la técnica del 3D que toca promocionar como tabla de salvación del cine, debido a que por ahora no puede disfrutarse en películas descargadas por internet.

Es una pena que ocurriera esto en esta película, que de no haber sido creada bajo estos condicionamientos, podría haber pasado a la historia como una versión definitiva del clásico de Dickens. Pero el resultado es una película cuyo contenido argumental es escaso, con sólo unas pocas pinceladas del rico contenido del cuento. Ni siquiera conociendo la historia original se entiende lo que el espíritu de las Navidades pasadas pretende comunicar a Scrooge con la visita a su pueblo natal en dos etapas de su infancia. Parece que no queda tiempo para profundizar porque hay que dedicar muchos minutos a los efectos 3D, que en realidad no son más que transiciones hipertrofiadas.

Aún así creo que merece la pena ir a verla, eso sí, sucumbiendo a la “necesidad” de verla en la versión 3D.

AVATAR

2009-12-19T00:17:00.003Z

NADA NUEVO BAJO EL SOL... AUNQUE SEA DE PANDORA

Resulta que Avatar iba a cambiar para siempre la historia del cine, iba a significar un antes y un después, como la llegada del sonido a las películas.

Y luego resulta que Avatar no es más que un patchwork de elementos más que vistos y manidos, de clichés políticamente correctos y una dosis de moralina barata de la que nos tienen bastante cansados. Ni siquiera mi admirado James Horner ha sido capaz de ponerle una banda sonora original… Pero vayamos por partes:

Ya en los comienzos de la película James Cameron recurre al sistema de Matrix de acoplar un ser humano a un dispositivo para introducirse en otra realidad. La única diferencia es que en Avatar, el destino, en lugar de ser una realidad virtual, es un cuerpo genéticamente diseñado como híbrido entre humano y alienígena, lo cual a su vez es una idea procedente, por ejemplo, de Expediente X.

De Matrix también proceden sin duda las armaduras-robot en las que se introducen los soldados para manejarlas desde dentro como si fueran extensiones de sus propios cuerpos. También parece haber sido imitada la trilogía de los hermanos Wachowski en la escena del baile ancestral-tribal-primitivo, que tanto en Matrix como en Avatar están tan fuera de lugar.

Habrá quien admire los paisajes y la exuberante fauna y flora del planeta Pandora, pero tampoco éstos son originales: son sospechosamente parecidos a los de los diferentes planetas en los que los caballeros Jedi son perseguidos hasta la aniquilación en el Episodio III de Star Wars. Y al igual que de Matrix, Cameron ha querido extraer lo peor de Star Wars al intentar explicar la espiritualidad de la tribu de los Na’vi en términos “bioeléctricos”, emulando la explicación de la Fuerza de los Jedi con los microorganismos llamados midiclorianos, lo cual nunca gustó a los aficionados al mundo de Star Wars y, de hecho, se ha intentado soslayar en posteriores entregas.

En cuanto a los clichés, son tan sencillos como el recurso a la “teoría” de Gaia que considera a la Tierra y todos sus seres vivos como un todo que sufre debido a la acción destructiva del hombre. En Avatar esta acción destructiva se parece demasiado a la de los que talan los árboles de la Selva Amazónica, uno de los baluartes de los defensores del medio ambiente, tan de moda ahora, como bien debe saber Cameron, por lo que se ve.

Otro exponente de lo políticamente correcto, que delata el tiempo que lleva Cameron trabajando en esta película que iba a revolucionar nuestro modo de ver cine, es el de denunciar la guerra preventiva y el combate del terror(ismo) con terror(ismo). Llega un poco tarde la denuncia y la verdad es que ya nos pilla bastante hastiados de tanto buenismo convertido en moralina de cine.

Sinceramente, independientemente de lo que uno opine sobre estos temas, me produce rechazo una película con la que su autor pretende aleccionarme tan burdamente desde una posición de superioridad moral basada en el recurso fácil a lo políticamente correcto.

Un elemento decisivo de la batalla final de Avatar es que a través de esa conexión que tienen entre sí todos los seres vivos de Pandora, toda la naturaleza se vuelca en luchar con los Na’vi contra los malos malísimos humanos. Tampoco este planteamiento es original, sino que procede de la novela El Quinto Día, que abunda en los planteamientos tipo “Gaia” mencionados arriba.

Y como si se hubiera puesto de acuerdo con Cameron en conseguir que Avatar no sea original en nada, tampoco James Horner, cuyas bandas sonoras siempre he admirado y son las más numerosas en mi colección de discos de música para el cine, se ha molestado en inventar nada nuevo para Avatar. El tema principal es calcado del tema principal de Tiempos de Gloria, con un pequeño toque de Titanic.

Cabía esperar que la revolución de Avatar emanara de su infografía, pero he de decir que en mi opinión la cosa no ha mejorado mucho desde Final Fantasy. Algo sí, pero en Avatar no hay un salto cualitativo que justifique decir que se ha llegado a un nuevo estadio en la producción cinematográfica.

Por su parte el argumento de la película es totalmente previsible, no hay ningún elemento sorpresivo, ningún giro que desviara la historia lo más mínimo de lo que desde los primeros minutos sabemos que va a pasar.

Avatar dura 164 minutos. La fui a ver con sueño atrasado y cansado, por lo que temía quedarme dormido. En su favor hay que decir que no me dormí. Pero salí con la sensación de haber pasado 164 minutos perdiendo el tiempo. No sé qué es peor…

Paranormal Activity

2009-12-07T18:31:00.001Z

Como ya me ha comentado más de uno, lo más paranormal de Paranormal Activity es que haya llegado a tener el éxito que está teniendo. Muchos habrán visto los anuncios en los que entre las imágenes de la película se intercalaban escenas del público asustándose. Pues bien, las secuencias por las que esos espectadores se podrían estar asustando de esa manera son dos, o tres, si apuramos, y además ocurren todas hacia el final.
Paranormal Activity está bien como película de fin de estudios – para matrícula de honor, incluso, pero de ninguna manera merece compartir cartelera con producciones profesionales y cobrar por ser vista lo mismo que éstas. Hace unos años sucedió algo parecido con Primer, una película hecha en un garaje, como les gusta decir a muchos para enfatizar los pocos medios con que contó. Pero la verdad es que contaba con un guión elaborado, y una concepción tras la cual había mucho más trabajo que en Paranormal Activity.
Totalmente desproporcionada es la comparación con clásicos del terror como El Exorcista o Poltergeist.
Dicho esto, he de decir que al menos no aburría, y que es ingeniosa la manera de plantear la película como grabada por una videocámara casera sin caer, como han hecho otras antes, en el mareo del movimiento de la cámara en la mano, y consiguiendo al mismo tiempo una variedad de planos que hace que finalmente la película no canse.
Pero de miedo, poca cosa.

Planet 51

2009-11-28T16:12:00.001Z

No me gusta el cine español. Eso no quiere decir que alguna vez surja una película con la que disfrutara...recuerdo que hace años hubo una, “El Maestro de Esgrima” creo que se llamaba. Quizás esperen que ahora diga que Planet 51 es otro ejemplo, pero no lo voy a hacer. No es que no me haya gustado, sino que Planet 51 no es cine español, a pesar de haber contado con las subvenciones que tanto daño hacen a la producción cinematográfica nacional, por perpetuar una mediocridad de la que no se sale porque no hace falta triunfar en taquilla para poder volver a vivir de la subvención al año siguiente. (Ahora parece que empiezan a temblar algunos por la posibilidad de que se recorten o supriman las subvenciones. Por fin podría haber una selección natural que premiaría la calidad y la excelencia, que hasta ahora han brillado por su ausencia.)

Volvamos a Planet 51: digo que no es cine español porque la mejor definición que se le puede dar es que es una película estadounidense hecha en España. Y no sólo por el esfuerzo de distribución que han hecho sus productores para que se estrenara en todo Estados Unidos y 170 países más, sino por sus características cinematográficas, que incluyen, ritmo, dinamismo y un buen guión de Joe Stillman (Shrek y Shrek 2).

Una pena que el trailer que hemos venido viendo hace meses haya destruido de un plumazo el efecto sorpresivo que podría haber tenido el visionado de la película. El trailer cuenta todo lo que esta película tiene de especial, por lo que a verla en el cine sólo le queda una historia normalilla, una aventura como tantas otras de rescate de cautivos y huida desde el fortín del enemigo.

Le sobra la moralina explícita por la que el protagonista le hace ver al general del ejército que lo que le mueve al enfrentarse al alienígena es el miedo a lo desconocido. Si esa era la (manida) moraleja alegórica de la xenofobia, el tener que expresarla explícitamente en boca de un personaje implica que no se ha logrado (o se cree no haber logrado) plasmarla a través del lenguaje cinematográfico a lo largo de la película.

Y sobre todo le sobran, porque ya cansan, y mucho, los permanentes “guiños” a otras películas entre las que no podía faltar, y en varias ocasiones, Star Wars. Parece que se ha extendido la creencia de que incluir guiños a otras películas es marchamo de calidad, de conocimiento del medio, necesario para estar a la altura. Y lo que se ha conseguido es que la cosa se convierta en algo cansino, sobre todo porque se acaba forzando las escenas para acomodar las referencias a otras películas, vengan a cuento o no.

En conclusión diría que es fiel reflejo del estado del cine español el hecho de que se hayan tenido que invertir nada menos que siete años y 60 millones de euros para conseguir hacer una película que, comparada con otras del mismo estilo de factura americana, es una más, estando a la altura pero sin destacar. Es, pues, la película más cara del cine español – poco le ha durado a Ágora el primer puesto en este ranking.

2012

2009-11-28T15:38:00.001Z

2012 es una de esas películas en las que uno experimenta justo lo que esperaba, una de esas películas que hay que ver en pantalla grande. Emmerich parece haber decidido hacer la película de catástrofes por antonomasia, combinando elementos de prácticamente todos los tipos de calamidades de la naturaleza vistas en el cine, incluidas varias de sus propias películas.

Así tenemos terremotos como en “10.5: Apocalipsis”, volcanes como en “Dante’s Peak” y “Volcano”, hundimientos de tierra como en “The Black Hole”, olas gigantes como en “La Tormenta Perfecta” y “El Día de Mañana” e incluso una secuencia prácticamente especular a la huida de la Tierra relatada en “Cuando los Mundos Chocan”. Además, comparte con otras películas recientes como “Sunshine” que el trasfondo científico de la película sea una anomalía en el Sol, de cuya superficie muestra una imagen de impresionante belleza y realismo en las escenas iniciales.

Hace unos años se resolvió uno de los enigmas más conocidos de la astrofísica, al descubrirse que los neutrinos que necesariamente debe emitir el Sol no se detectaban en la Tierra debido a que por el camino se transmutan en una variedad de los mismos que escapa fácilmente a los detectores. La razón por la que en 2012 la Tierra se recalienta recuerda vagamente a este hallazgo, ya que los científicos de la película explican que los neutrinos del Sol comenzaron a transformarse en otro tipo de partículas capaces de calentar el interior de nuestro planeta. Para tranquilidad de todos, esta premisa es igual de ficticia, por imposible, que el resto de la película.

A pesar de las críticas al respecto, esta película no es un vacío alarde de efectos sin argumento. Tal argumento existe y contribuye decisivamente a dar cohesión a la sucesión vertiginosa de fenómenos espectaculares. Claro que no hay que esperar una historia de profundidades filosóficas. Al fin y al cabo al cine vamos a pasar un buen rato, y en 2012 encontramos todos los ingredientes necesarios para salir satisfechos de habernos decidido por ver esta película.

Julie & Julia

2009-11-28T15:36:00.000Z

Hay películas basadas en hechos reales y otras basadas en libros. Julie & Julia es ambas cosas, y encima no se basa en un libro, sino en dos. Por todo ello, ya se trata de una película original.

El mayor activo de la película son sus actuaciones, pero curiosamente no la de Meryl Streep, quien a mi entender sobreactúa ligeramente en este papel, dándole a toda la historia un toque de histrionismo que para mi gusto siempre es bastante incompatible con la verosimilitud. Destacaría, sin embargo, las actuaciones de Amy Adams, Chris Messina y, sobre todo, Stanley Tucci, eterno actor secundario y siempre magnifico en sus variopintos papeles.

Messina y Tucci hacen, con sus actuaciones, que uno se pregunte por qué se ha consagrado el término “secundario” para etiquetar a lo que deberíamos llamar mejor “actores de reparto” y que no sólo no son secundarios, sino que en más de una ocasión salvan la película, como la que nos ocupa aquí.

Siempre a tu lado - Hatchiko

2009-11-23T09:32:00.000Z

No me gustan las películas con animales. Y gracias a Hatchiko me he dado cuenta de por qué, ya que ésta sí me ha gustado, y es que el perro que la protagoniza es, simplemente, un perro. No habla, ni sabemos lo que piensa, ni se comporta de una manera más humana o inteligente de lo que le corresponde... simplemente es un perro en el que la habitual lealtad a su amo tuvo una manifestación singular.

De hecho, diría que el personaje del perro ni siquiera sufre la tentadora hipertrofia de ser el protagonista. El perro es un elemento esencial de la película, pero los protagonistas son las personas que salen en ella, y la lealtad. Por ello, la presencia del animal no convierte la película en una historia inverosímil, sino que constituye el hilo conductor de un relato tan posible como que está basado en hechos reales.

Por otro lado, tampoco me gusta el cine "sesudo" en que sus autores se regodean en no contar nada. Vamos al cine para poder vivir experiencias por las que no podemos pasar en nuestra rutina diaria. Es muy cierto que las historias y el modo en que nos las cuentan ha de ser verosímil para que podamos vernos inmersos en ellas, pero eso es muy diferente a que lo que nos cuenten sean situaciones que no suponen ninguna diferencia con respecto a nuestra cotidianeidad. (Por ello una historia totalmente fantástica bien contada, con coherencia interna, nos puede absorber mucho más que una película ambientada en un lugar y tiempo cercanos en la que, sin embargo, vemos incoherencias y actuaciones alejadas de lo verosímil.)

Así, también en este aspecto Hatchiko era una buena candidata a no gustarme nada: lo que relata es la vida cotidiana de una familia normalita en un pueblo normalito y a la que, en toda la película, no le ocurre nada fuera de lo normal.

Y sin embargo, me gustó la película.

Lasse Hallström tiene a sus espaldas una trayectoria tal que no necesita demostrar ya su valía. Y sin embargo en esta película ha vuelto a superarse con una dirección nuevamente magistral por la que a Siempre a tu lado no le sobra ni un sólo fotograma, cada secuencia y cada momento tienen sentido y consigue hacer de una historia a priori insulsa y más propia para un cortometraje, un largomteraje maravilloso que lleno de realismo lleva al espectador a sentir emociones intensas y a identificarse con sus protagonistas. Cine en estado puro, sin necesidad de grandes despliegues de efectos y recursos: sólo una buena dirección y excelentes actuaciones.

Mención específica merece la maravillosa banda sonora de Jan A.P. Kaczmarkek (Oscar por la de Buscando Nunca Jamás), un acompañamiento musical tan bien fundido con la película que es prácticamente impensable imaginársela sin ella. Parece concebida como una única sinfonía, en la que los modos de los diferentes movimientos se corresponden con asombrosa precisión con el desarrollo de la historia.

Para no perdérsela.

ÁGORA

2009-11-23T09:28:00.001Z

Ante el estreno de la película Ágora, recibo muchas veces la pregunta de qué me parece, dada mi condición de astrónomo y divulgador de la ciencia al mismo tiempo que creyente, además de haberme destacado por mi interés en la interacción entre ciencia y cine. Voy a comentar mis opiniones sobre Ágora, pues, desde cada uno de esos puntos de vista.

Como astrónomo y divulgador de la ciencia no puedo menos que congratularme por el hecho de que una película de éxito tenga como protagonista a una astrónoma y que por tanto la astronomía tenga un papel distinguido en un medio tan popular como el cine. También me consta que Amenábar contó con el asesoramiento de astrofísicos profesionales para los aspectos científicos del guión, por lo que, como efectivamente es el caso, el rigor estaba asegurado. Como comenta el mismo Amenábar, Ágora es el resultado de la fascinación que sintió por la astronomía al contemplar el firmamento estrellado desde la cubierta del crucero en el que estaba disfrutando de unas vacaciones tras su anterior película. Esa fascinación le llevó a querer plasmar en la pantalla toda la historia de la astronomía de manos de sus protagonistas, idea que tuvo que abandonar pronto, por no ser realista encajarlo todo en un largometraje de duración razonable. La elección de Hipatia en su lugar no pudo ser más acertada. Aparte de su condición de mujer que la hace especial, el acierto radica sobre todo en el hecho de que, al no existir legado escrito de su pensamiento, permite especular sobre lo lejos que llegó en la investigación sobre las órbitas de los planetas e incluso atribuirle ficticiamente los avances alcanzados a lo largo de varios siglos, desde su propia época hasta la de Kepler, y así abarcar etapas de la historia de la astronomía que se extienden más allá de la longevidad de una persona, acercándose al máximo a la idea inicial de Amenábar.

Así, el director decidió hábilmente introducir una trama paralela en la que el protagonista no es de carne y hueso, sino la superación del modelo geocéntrico de Ptolomeo para el sistema solar. A lo largo de la cinta, esta superación está a punto de materializarse a través del empeño de Hipatia por explicar de modo sencillo las trayectorias aparentes de los planetas en el firmamento. Esto la lleva a refutar objeciones, utilizar la intuición y experimentar, todo ello prácticas propias de la investigación científica. Parece que esta búsqueda de la explicación de las órbitas de los planetas es un original e interesante elemento constitutivo de una subtrama de la película, que además en principio parece que ha de complacernos a quienes abogamos por la presencia de la ciencia en un elemento de tan alto valor difusivo como el cine.

Sin embargo, desde el punto de vista cinematográfico y del de divulgador no puedo dejar de ponerme en la piel de un espectador que no tenga ningún especial interés por la astronomía y preguntarme si a través de la película este interés se ve estimulado de algún modo. Para ello he de tener en cuenta que quien va a ver una película al cine va a ver una historia en la que identificarse de algún modo con el protagonista. Y mi impresión es la de que no todos los tramos de la película en que aparecen contenidos astronómicos consiguen presentarse como parte de la subtrama pretendida, sino que aparecen como incisos carentes de engarce argumental con el resto de la película y dan sensación de responder a un afán aleccionador, lo cual produce rechazo cuando menos inconsciente en el espectador y no precisamente unas ganas de saber más. De hecho, muchos espectadores comentan que les ha gustado tanto la historia que se relata como “las partes de documental”. Si esas secuencias son percibidas como “documentales”, por mucho que gusten, está claro que Amenábar no ha conseguido meterlas en la película como una subtrama argumental. Por el contrario, rompen el ritmo de la historia principal y, debido a que no pueden ser entendidas del todo por personas no iniciadas en la problemática de los modelos del sistema solar, no aportan otro foco de tensión argumental, base fundamental de cualquier guión.

Muchos colegas astrónomos o divulgadores no entenderán esta crítica ya que, igual a mí, como entendidos del tema, esos incisos nos interesan por sí mismos porque hacen referencia a un tema que conocemos bien y nos apasiona, y nos entretiene ver cómo se explica en la película. Pero se nos olvida que aparecen repentinamente conceptos inexplicados como “modelo de Ptolomeo”, “epiciclos”, “focos de una elipse” y largas conversaciones difíciles de seguir. Aparte de que no da tiempo a explicarlos lo suficiente, hay que tener en cuenta que al espectador se le presentan en un contexto de esparcimiento, en el que no está precisamente en actitud de “aprender” o de hacer un esfuerzo por comprender. El cine es un medio que llega a muchas personas, pero lo es precisamente porque es una oferta de ocio, y en ese contexto es donde hay que analizarlo.

Hay que decir que la falta de pasión de la actriz no contribuye tampoco a transmitir la emoción de la investigación científica. Parece que ha confundido la impaciencia o el mal genio por no dar con la solución de un problema científico con síntomas de pasión por la ciencia, que a mi entender no llega a transmitir al público la por otro lado gran actriz que es Rachel Weisz.

Desde el punto de vista del creyente, por otro lado, no voy a caer en la tópica crítica superficial de quien es irritado por ver a cristianos como los malos de la película, nunca mejor dicho. La película deja claro que no son los cristianos en general los que instigan y practican la violencia, e incluso presenta al principio a los que luego son violentos como benefactores de los pobres y adalides de la caridad (que después no practican). No tengo problema por tanto en ver a los parabolanos en el papel de villanos, como tampoco me molesta por ser alemán ver a los nazis alemanes en la segunda guerra mundial como los malos de películas sobre la contienda, incluso cuando se les llame simplemente “los alemanes”. Sin embargo no puedo dar por válida la representación de San Cirilo como cómplice de los desmanes de los parabolanos, carente de todo rigor histórico. Parece que se ha elegido representar al obispo Cirilo de Alejandría de esta manera con la clara finalidad de poder luego escribir en la pantalla, al final de la película, que tal sinvergüenza “fue declarado santo y doctor de la Iglesia” y así poder aprovechar para asestar una pequeña puñalada a la Iglesia actual, desacreditando no sólo a los fanáticos, como le gusta decir a Amenábar en todas sus declaraciones al respecto, sino con ellos a todos los creyentes de todas las épocas, algo tan de moda en la actualidad.

Finalmente, un comentario al modo en que se presenta la relación entre la fe y la razón, entre la religión y la ciencia. Considero que es éste el aspecto más central de la película, abordado muy brevemente, pero de modo muy claro y revelador del pensamiento que subyace en sus autores. Son sólo dos frases que intercambian Hipatia y su discípulo Serafo, ya como obispo de Cirene. Éste quiere convencerle de que se bautice públicamente para que la población mayoritariamente cristiana apoye al prefecto romano, también cristiano, al que ella asesora. Ella le contesta que él no puede cuestionarse lo que cree mientras que ella debe hacerlo. Estas palabras tienen una gran carga ideológica, ya que representan una visión muy particular de la relación entre ciencia y fe. Es la que compara ambas realidades desde el punto de vista de su capacidad de cuestionarse lo que se considera aceptado: La ciencia no sólo puede hacerlo, sino que su avance se fundamenta en ello. Y a la religión se le reprocha que implica la aceptación de determinadas verdades sin cuestionarlas. En la base de esta comparación está la suposición de que ambos ámbitos compiten en el mismo plano por ser la fuente de conocimientos sobre el mundo. Esta cuestionable simplificación es el fundamento de la corriente de moda conocida como “cientifismo” o “cientificismo” que pretende encumbrar a la ciencia como única manera válida de conocer el mundo, negando cualquier realidad que no pueda ser conmensurada y explicada en términos científicos. Con esa premisa es lógico que se vea con hostilidad cualquier realidad que afirme, considere o propugne otras realidades no materiales y que naturalmente no funcionan con los mismos mecanismos que la ciencia, como el de cuestionárselo todo. Sin embargo, que en la religión uno acepte por fe determinadas verdades no implica que no pueda aplicar el pensamiento crítico donde corresponde, como por ejemplo en la ciencia, además de muchos otros ámbitos e incluso en la propia religión. Desde estas corrientes cientifistas se viene pretendiendo mostrar a la ciencia como incompatible con la religión, aduciendo falseadamente casos como el de Galileo, la evolución o tantos otros a los que Amenábar pretende añadir el de Hipatia y Alejandría. Lo más curioso es que al pretender hacerlo, en el pasaje al que he hecho referencia, se echa piedras al propio tejado –se podría incluso decir que se pone en evidencia sin pretenderlo—, ya que la respuesta de Hipatia, al ser un argumento para no abrazar la fe cristiana, pone a la ciencia como una alternativa a ésta, es decir la presenta como otra creencia, poniéndola a la altura de lo que pretende combatir y despojándola precisamente de lo más valioso que tiene, que es su capacidad de objetivación y de demostración que elimina la necesidad de ejercitar la fe en sus resultados y en la validez de éstos dentro de sus límites de aplicabilidad (que son los límites que desde el cientificismo no se quieren admitir).

Desde el punto estrictamente cinematográfico opino que le sobran muchos minutos en que aparecen primeros planos de personajes pensantes, tan propios del cine español, planos que no aportan contenido y además dan lentitud a la película. Le sobran también las secuencias en que el plano sale del planeta Tierra y ofrece una visión desde el espacio. Me imagino que con ellas se pretende transmitir lo ridículo de las rencillas terrenas en el contexto de la pequeñez de la Tierra en el espacio, lo cual es un pensamiento bello y certero, pero aún así considero que no encajan. Finalmente, el corte argumental que sufre la película a mitad de su duración tras lo que parecía ya el final de la historia y en el que se ven sobreimpresos varios comentarios, como suele suceder al final de las películas, es demasiado desconcertante como para considerarlo una original genialidad por parte del realizador.

En resumen, es una película que habría estado mucho mejor si hubiera contado con un asesoramiento en historia como lo tuvo en astronomía, a la que le sobra carga ideológica y que adolece, aunque en menor medida que la mayoría, de los defectos típicos del cine español cuyo resultado es un ritmo poco constante y a veces demasiado reflexivo y lento. Globalmente le daría una puntuación de 6 sobre 10, apuntando que para ser la película más cara del cine español hasta la fecha, esperaba bastante más de ella.